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5 de abril al 12 de mayo - “COMO EL AGUA”   Exposición de ACUARELA 
May
12
6:00 PM18:00

5 de abril al 12 de mayo - “COMO EL AGUA”  Exposición de ACUARELA 

Lugar: Galería Nacional, Museo de los Niños 

Inauguración: martes 9 de abril, 7:00 pm 

Duración: 5 de abril al 12 de mayo 2024 

Artista: Patrizia Gallo

EL PROYECTO 

“Como el agua” hace referencia directa a la acuarela, por razones obvias. En un sentido más amplio y profundo, tiene fundamento en la convicción de la artista, de que todo debe fluir como el agua. El agua se adapta al recipiente en que la coloquemos, se adapta sin resistencia y sigue fluyendo siempre, sin fin. La artista es amante de la naturaleza, de la flora y de la fauna. Su animal preferido siempre ha sido el felino, y así lo podemos verificar en sus muestras individuales “Vengo a engatusarte” y “Gatomix”. 

Como temas recurrentes en su carrera siempre encontramos el retrato humano y el retrato felino, como si la artista intentara crear un lazo permanente entre ambos temas. Patrizia se ha caracterizado siempre por una depurada técnica figurativa realista, plasmada en sus trabajos al óleo y al carboncillo, sin embargo por vez primera, fluye hacia la acuarela, manteniendo su tema felino, en este caso, mostrando únicamente gatos domésticos. 

ANTECEDENTES 

Los gatos domésticos no son nuevos en su obra y en su vida. Patrizia y su marido dirigen también una fundación de ayuda y bienestar animal en Costa Rica, que se dedica al rescate, castración y adopción de éstos animales. 

Esta fundación integra también el Consejo Asesor de Bienestar Animal CONABA en el que participan organizaciones no gubernamentales para articular y coordinar acciones de bienestar animal entre sociedad civil e instituciones públicas y que apoya al Servicio Nacional de Salud Animal SENASA en la consecución de estas metas. Este trabajo conjunto ha tenido tanta relevancia que ha llevado a aprobar la tan necesaria Ley de Bienestar Animal, en el año 2017. 

La colección, en proceso desde 2022, consta de 30 obras de formato pequeño, realizada en diferentes papeles de acuarela 100% algodón. 

En esta ocasión, la artista no elige gatitos modelo, mirando a la cámara y luciendo bonitos, sino que se inclina por lo cotidiano, lo costumbrista, los gatos en su diario vivir, en sus posturas más icónicas y naturales, como por ejemplo, tomando una simple siesta. 

Quién fluye como el agua mejor que un gato? Aquí es donde la artista encuentra la relación con la acuarela y con el título de la muestra. Sus comportamientos, su carácter, su adaptabilidad, siempre nos dejan claro que ellos fluyen como sea necesario ya sea con calor o con frío, con hambre o sin hambre, con dueño o sin dueño, con salud o sin salud. 

ME LLAMO PATRIZIA GALLO, SOY ARTISTA Y AMO LOS GATOS 

Es que es un título que me sale tan natural, que no pude evitarlo. 

Creo que resume todo, por si no lo han notado. 

Y como mi vida es el arte, le dedico a ellos mucho de mi trabajo, porque así fluye, así nace, desde que despierto hasta que me acuesto. 

Los he dibujado y pintado desde que tengo memoria, en diferentes técnicas, siempre buscando hacerles justicia, por todo lo que representan para mí y para el universo. Tienen en mí el poder de calmar mi ansiedad, relajarme, inspirarme, y hacerme crear. Me acompañan, me cuidan, me miman, y tengo con ellos una relación tan profunda que realmente sufro cuando viajo, por no tenerlos a mi lado. 

Cómo no dedicarles una colección completa? Esta no es la primera vez ni será la última, sin embargo ésta vez encontré una técnica que fluye como ellos, y como intento fluir yo misma. La acuarela es misteriosa, complicada, retadora, y en ella encontré un nuevo mundo de metas y desafíos, que he abrazado con mis gatos, para ver hasta dónde somos capaces de llegar. He decidido respetarlos como la fuente de inspiración que son, retratándolos ésta vez en su diario vivir, en sus costumbres y características intrínsecas, más sin posar, sin lucir bellos artificialmente, solo “siendo”. 

PATRIZIA GALLO 

Artista visual, gestora cultural y directora artística en su escuela “7 Vidas / Bellas Artes”, fundada en San José, Costa Rica. Patrizia es uruguayo-costarricense y proviene de una familia de músicos y bailarines. Brinda clases y seminarios virtuales internacionales a lugares como Ecuador, Dubai UAE, Argentina, Panamá, El Salvador, Honduras, Chile, Polonia, etc. Posee una amplia y sólida formación internacional en dibujo académico y pintura realista. Conocida retratista, se dedica a realizar retratos en óleo y carboncillo, así como también retratos de animales. También se desempeña como curadora y restauradora de arte pictórico.

REDES: 

Facebook: https://www.facebook.com/patriziagalloartist 

Instagram: https://www.instagram.com/patrizia.gallo.artist/ 

Twitter: https://twitter.com/PGallo_Artist 

LinkedIn: https://www.linkedin.com/in/patrizia-gallo-48636a128/ 

YouTube: https://www.youtube.com/@patriziagalloartist/videos 

Website: www.patriziagallo.art


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Museo Histórico Cultural Juan Santamaría presenta la exposición temporal “Manuel Carranza vargas: su legado a la pintura histórica costarricense”
May
18
6:30 PM18:30

Museo Histórico Cultural Juan Santamaría presenta la exposición temporal “Manuel Carranza vargas: su legado a la pintura histórica costarricense”

  • Exposición estará abierta al público del 30 de septiembre de 2023 al 18 de mayo de 2024.

  • Muestra de 32 obras del artista visual, Manuel Carranza Vargas, resulta del esfuerzo conjunto entre el Museo Histórico Cultural Juan Santamaría y la Academia Morista Costarricense, gracias al patrocinio de empresas privadas.

  • Las actividades culturales durante el acto inaugural, estarán a cargo del Ballet Folklórico “Nayuribes”.

  • Exposición cuenta con declaratoria de interés educativo, extendida por el MEP.

“Un día, cuando ya no esté seré lo que he pintado” esta emotiva, pero contundente y visionaria frase, fue plasmada por el Sr. Manuel Carranza Vargas, de su puño y letra, en la primera página de su agenda personal del 2021, antes de su repentino fallecimiento, el 11 de octubre del mismo año.

Manuel Antonio Carranza Vargas nació el 2 de julio de 1952 en San José, fruto del matrimonio conformado por José Antonio Carranza Solís y Alicia Vargas Sánchez. Desde su infancia, mostró interés y aptitudes por las artes visuales, sin embargo, se graduó como abogado por la Universidad de Costa Rica, y desde la década de 1980 se vinculó con la industria turística, actividad productiva que impulsó por varias décadas.

A partir de 2011, sitió la necesidad de dedicarse a tiempo completo a su pasión por las artes visuales, por lo que perfeccionó sus técnicas en pintura figurativa –al óleo sobre tela– a través de cursos libres en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica y en la “Casa del Artista” del Ministerio de Cultura y Juventud. Su trayectoria artística inició con la representación de paisajes y personajes de ciertas regiones rurales de Costa Rica.

Desde 2014 mostró un notable interés por la pintura histórica, debido a que percibió cierto vació de esta vertiente pictórica en el país. Durante sus investigaciones para la fundamentación histórica de sus obras, tuvo contacto con varios ciudadanos, que en 2015 conformaron la Academia Morista Costarricense, organización docta que presidió desde 2019, hasta 2021.

Pese a lo extenso de su obra pictórica de interés histórico, esta exposición en el Museo Histórico Cultural Juan Santamaría (MHCJS), será la primera vez que se integre en una única muestra abierta al público, la mayor parte de su producción. 

Carranza Vargas enfatizó en la representación de escenas y personajes de la Campaña Nacional de 1856-1857, así como del período colonial y los primeros años de la construcción de la nación costarricense, entre 1821 y 1830, desde el proceso de Independencia y la introducción de la primera imprenta al país, “Imprenta La Paz”, cuyo propietario fue Miguel de Jesús Carranza Fernández, tatarabuelo del artista.

Esta interesante muestra, estará a disposición de los públicos del MHCJS, a partir del 30 de septiembre de 2023, hasta el 18 de mayo de 2024. La misma surgió de la iniciativa conjunta entre el museo y la Academia Morista Costarricense, gracias al patrocinio de las empresas: Fundación CRUSA y los bufetes de abogados, DIVIMARK y RL. 

El acto inaugural de la misma, se llevará a cabo el sábado 30 de septiembre de 2023, a partir de las 2:00 p.m. como parte de las conmemoraciones del 163° aniversario del fusilamiento del Expresidente Juan Rafael Mora Porras (1814-1860) en Puntarenas. Dichas actividades serán transmitidas mediante las RRSS del MHCJS, YouTube y Facebook-live.

La conferencia inaugural de la exposición, estará a cargo del Dr. Manuel Araya Incera, quien hasta 2011 se desempeñó como Catedrático en Historia de las Relaciones Internacionales en la Universidad de Rica. Fue profesor en prestigiosas instituciones nacionales e internacionales, y en distintas oportunidades, se desempeñó como Director de la Escuela de Historia y Geografía de la UCR. Actualmente forma parte de la Academia Morista Costarricense y es Presidente de la Academia de Geografía e Historia de Costa Rica. 

La actividad inaugural será amenizada por Ballet Folklórico “Nayuribes”, constituido desde 1978, como parte de la Dirección de Comunicación Organizacional de la Caja Costarricense del Seguro Social. Desde febrero de 2023, la agrupación se desarrolla de manera autónoma, respaldados por una amplia trayectoria nacional e internacional. Además del rescate de tradiciones autóctonas nacionales, se ha dedicado a la investigación y extensión cultural. En esta ocasión, el grupo deleitará al público asistente, con una selección de coreografías tradicionales, acompañadas con trajes históricos, desde el período colonial, hasta mediados del siglo XX.

Según expresó Adrián Chaves Marín, educador del MHCJS y curador de la exposición: 

La obra pictórica de Manuel Carranza Vargas, aparte de su calidad técnica, es de suma importancia para la ciudadanía costarricense, debido a que fue ejecutada con una notable vocación didáctica. Además de artista visual, Carranza fue un acucioso investigador histórico, debido a que en su trabajo fue sustentado mediante fuentes documentales, bibliográficas e ilustraciones de medios de prensa y relatos de viajeros del siglo XIX. Su gran legado fue retomar y reverdecer la tradición del arte histórico nacional, mediante criterios estéticos informados, de tal manera que las siguientes generaciones, se entusiasmen por continuar dicho legado.


Por otra parte, la actual Directora del MHCJS, MSc. María Otárola Luna agregó: 

Esta exposición tiene gran valor educativo, y encierra una cercanía con la familia del artista, una manera excepcional de brindar homenaje a quien ya no nos acompaña físicamente, pero que con su obra nos permite conocerlo y hacer llegar su legado a muchísimas personas.

Finalmente, debido a la relevancia de esta exposición, fue declarada de interés educativo por el Ministerio de Educación Pública, esto con el fin de promover la visita de públicos estudiantiles, así como la programación de visitas guiadas a los públicos interesados. La exposición, también, contará con elementos interactivos, pues la mayoría de obras, contarán con relatos orales, accesibles mediante códigos QR. El acceso a todas las actividades y servicios mencionados es gratuito.

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Lo precolombino y lo contemporáneo se conjugan en una nueva exposición
Jun
30
6:00 PM18:00

Lo precolombino y lo contemporáneo se conjugan en una nueva exposición

  • Fotografías e instalaciones del artista costarricense Rafael Ottón Solís y la fotógrafa y artista española Teresa Correa.

  • La exhibición de los artistas combina arte contemporáneo, fotografías y piezas precolombinas, en una propuesta que surge de la investigación

  • De febrero a junio, 2024.

 “Sombras de sombra en la sombra”, es la exposición temporal que el Museo Nacional y los artistas Rafael Ottón Solís y Teresa Correa, inauguran el viernes 2 de febrero a las 6 pm en la sala de exhibiciones temporales sur.

 La exhibición de los artistas combina arte contemporáneo, fotografías y piezas precolombinas, en una propuesta que surge de la investigación realizada por Correa en las colecciones del Museo Nacional de Costa Rica, Museos del Banco Central y el Laboratorio de Antropología Biológica de la UCR y se complementa con la obra de Solís, en una instalación que muestra el pasado y el presente, mientras que rememora la cultura y el patrimonio de pueblos originarios.

 La muestra, cuya curaduría fue elaborada por el español Adonay Bermúdez, está compuesta por dos instalaciones del maestro Rafael Ottón Solís, donde reinterpreta círculos y calzadas elaboradas con piedras de río y en la que destacan 3 esferas de piedra, en una clara significación de las estructuras monumentales precolombinas que se encuentran en sitios arqueológicos como Guayabo de Turrialba o Finca 6 en Palmar de Osa, un tema recurrente en la obra de Solís que le marcó desde la década  de los 70s, cuando tuvo su primer contacto con los vestigios de sociedades antiguas.

Por su parte, Correa presenta 17 fotografías impresas, 11 en papel y 6 en tela de gran formato, de objetos precolombinos que la española tomó en los acervos de colecciones de los Museos y que parten de una investigación artística que inició en 1998. Correa explica que esta exhibición busca un diálogo entre los acervos de colecciones, los “códigos” que se muestran en las piezas y la obra del maestro Rafael Ottón Solís”.

Complementan la exposición 6 piezas precolombinas más, que son algunas de las que están en las fotografías, mientras que otras de las piezas en imágenes en esta sala, se pueden observar durante el recorrido por la exposición “Memoria en piedra”.

“Sombras de sombra en la sombra”, contó con la asesoría directa de la arqueóloga y directora del Museo Nacional, Ifigenia Quintanilla Jiménez, quien acompañó a Macro Arte, gestores del proyecto, en cuanto a recomendaciones y observaciones técnicas relativas al campo de la arqueología.

Esta exhibición contó además con la colaboración del Centro Cultural de España y estará hasta junio de 2024.

 

Acerca de los artistas

 

Rafael Ottón Solís es uno de los artistas más emblemáticos de la escena

del arte contemporáneo en Costa Rica, con más de cinco décadas de producción y varios premios nacionales. En su obra lo sagrado, lo ritual, lo histórico, social y político confluyen. Ha expuesto de forma individual y colectiva, en las más importantes instituciones artísticas de Costa Rica. Su obra se ha mostrado en importantes espacios de exhibición en

Alemania, Cuba, España. El Salvador, Nicaragua, Guatemala y Chile.

 

Teresa Correa es una artista consolidada, que estudió fotografía en el Centro de Estudios de la Imagen en Madrid y sociología por la Universidad Complutense de Madrid. Trabajó en el Museo Canario (de Antropología e Historia) documentando fotográficamente sus acervos arqueológicos y ello determinó el devenir de su producción artística. Su trabajo ha sido expuesto en importantes espacios expositivos de España, Francia, Senegal, Mali, Cuba, Bolivia, México y en Costa Rica en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo.

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 Poemas malditos.  Una revisión de la obra reciente de Aimée Joaristi 
Apr
27
6:00 PM18:00

 Poemas malditos.  Una revisión de la obra reciente de Aimée Joaristi 

‘La artista Aimée Joaristi presentará en el Museo Calderón  Guardia “Poemas malditos”. Una revisión de la obra creada en los últimos cinco años.  

La muestra compila obras de las series: Jardín del cielo, Flores del mal, La forma del  tiempo, Receptáculo, Umbrías, Manifiesto Púb(I)co, así como piezas destacadas de El faro,  Dominium, Vertebral y Cayados. La inauguración  será el 04 de abril a las 7:00 p.m.  

La artista se caracteriza por su constante  movimiento entre ideas y acciones, aprovechando  su habilidad para manejar diversos medios con gran facilidad. Aunque su principal desafío es la pintura,   siempre busca explorar nuevos horizontes. Cuando  necesita un descanso del pincel, se sumerge en otras  formas de expresión como la fotografía, la  instalación, la cerámica y el videoarte. Estos cambios  
los aborda con creatividad, aprovechando su  formación en arquitectura e interiorismo, lo que le   brinda una perspectiva visual tridimensional única. 

Para Joaristi el Museo Rafael Ángel Calderón Guardia “es una reconocida  institución pública con espacios espectaculares, que le da la oportunidad invaluable para  mostrar las múltiples facetas de su trabajo artístico, logrando ampliar el alcance de su  extensa y diversa producción artística en Costa Rica”, país donde reside y se dedica a  crear. 

Su objetivo es conectar más de cerca  con la comunidad costarricense a través de los  diversos mensajes presentes en sus obras,  destacando las experiencias compartidas por  todos durante la crisis mundial producto de la  Pandemia de Covid 19; reflexiones sobre  nuestras propias vidas, nuestras aspiraciones y  cómo percibimos el mundo desde el amor y el  dolor. La obra de Joaristi refleja una intensa  amalgama de emociones, capturando la complejidad de la experiencia humana en  tiempos de adversidad. 

Para el director del Museo, Luis Rafael Núñez Bohórquez, “la obra de Aimée Joaristi  es todo un manifiesto de una extraña belleza. A lo largo de esta exposición el público  podrá observar una introspección estética con una  paleta muy contenida donde la artista investiga sus  intereses, los contempla, resemantiza y crea. Sus  trabajos de gran formato o ensambles los diseña mediante sentimientos y lo personal de sus  experiencias”.  

Agrega el director Núñez que la artista  “rodeada de naturaleza crea libremente su universo  

estético. Y plantea de una manera honesta su ideario  estético a través de  diversos tópicos que la seducen y apasionan con sus saturaciones tumultuosas o  sus instalaciones que nos hacen reflexionar profundamente a través de lo lúdico”. 

Estas obras, nunca antes presentadas en Costa Rica, han participado en exposiciones  en el extranjero, como en España, Estados Unidos. Australia, Guatemala entre otros,  representando el abstraccionismo costarricense a través de la interpretación de Joaristi que  mezcla matices políticos, sociales y a la vez lúdicos y muy personales. 

Poemas malditos estará abierta hasta el 27 de abril. Horario lunes a sábado. 9 am a 5 pm. 

Más sobre la artista 

Aimée Joaristi, es ciudadana  costarricense, originaria de Cuba y también  con nacionalidad española, es una artista  multidisciplinaria cuyas obras recientes  exploran temas como la inconsciencia, la  transgresión lúdica, la migración cubana y  

La artista en el Museo La Neumudéjar la reivindicación femenina. Desde la  pintura hasta la instalación, el  performance y el videoarte, utiliza diversos medios como canales de comunicación para  expresar mensajes que surgen de su intuición y autoexploración.  

Entre sus exposiciones más destacadas se encuentran la 1° Bienal Internacional de Arte  Contemporáneo SACO, la 13° Bienal de La Habana 2019, la Bienal Internacional de Arte  Contemporáneo de Mantova 2017, la Bienal de Guayaquil 2016 y la 5° Trienal Internacional  de Fibra y Arte Textil de Riga 2015. 

Ha exhibido también en espacios como el Passelle Centre D’Art Contemporain en Brest,  Francia; Matadero, Museo C.A.V. La Neomudéjar, Museo Ciudad del Arte Zapadores, Centro  Cultural La Casa del Reloj, PHOTO España y ARCO en Madrid, España; Museo de Arte  

Contemporáneo de las Américas, Miami, Sidney and Berne Davis Art Center, Fort Myers y  Museum of Arts and Science, Daytona en Estados Unidos; ART Lima en Perú; y el Museo  Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida”, Museo Miraflores, Fundación Rozas Botrán en  Ciudad de Guatemala, Guatemala, entre otros. 

Sus obras forman parte de  colecciones privadas en Chile,  Francia, México, Madrid y otros  

lugares, así como de colecciones  públicas importantes como la  del Museo Wifredo Lam en  

Cuba, el Museo de Artes  Decorativas y Diseño en Letonia  
y el Museo C.A.V La Neomudéjar  en España. 

Nota 

Dominium, Bienal de Arte Contemporaneo SACO 
• Fotografías de obra facilitadas por la artista  

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En el mes de la mujer Alas Urbanas engalana la Galería Siegfried Schosinsky del BCR
Apr
12
9:00 AM09:00

En el mes de la mujer Alas Urbanas engalana la Galería Siegfried Schosinsky del BCR

  • Obras de las artistas Ileana Piszk y Daniela Vargas Winiker

  • Muestra artística incluye obras en óleo, técnica mixta, acrílico, cerámica y papel

San José 08 de marzo, 2024. En el marco del Día Internacional de la Mujer, el Banco de Costa Rica (BCR) inauguró hoy la muestra Alas Urbanas, donde las obras de las artistas Ileana Piszk y Daniela Vargas Winiker convergen como una interacción poética entre la naturaleza y la ciudad.

Paisajes oníricos donde prevalece el color y la textura se unen a una nube de mariposas multicolores para transportar a quienes transitan por el primer piso de las Oficinas Centrales del BCR a un mundo donde la luz y la libertad son los protagonistas.

La muestra está compuesta por 26 obras, de pequeño y mediano formato, creadas con técnicas como óleo, mixta y acrílico. También se podrán observar seis piezas en cerámica, tres esferas en resina sobre base de madera con luz led y para dar aún más vida a la exposición se han instalado alrededor de 200 mariposas de papel con base en cedazo.

Umbral caribeño, Colina dorada, Inmensidad, Alegría, Vuelo en Azul, así como Prosperidad y Felicidad, son algunos de los títulos de las pinturas que conforman Alas Urbanas, la cual está disponible de lunes a viernes, entre la 9:00 am y las 3:30 pm, en el BCR de San José Centro. Esta es una exposición gratuita y estará vigente hasta el viernes 12 de abril del 2024.

Alas Urbanas es la segunda exposición del 2024 de la Galería Siegfried Schosinsky. Para el BCR representa un gran honor que dos talentosas artistas nacionales engalanan con sus obras el mes de la mujer. Para la entidad su objetivo es ser un habilitador y un puente entre los visitantes y los artistas que periódicamente honran al Banco con sus exposiciones, promoviendo de esta manera que cada vez más personas, sin distinción de edad, busquen preservar, transmitir y fomentar el arte como una forma de conservar el patrimonio cultural de los pueblos.

Las artistas

Ileana Piszk es artista visual dedicada a la práctica de la pintura, el grabado y la cerámica, fue alumna de Bellas Artes por varios años y ha asistido a múltiples talleres con importantes profesionales como: Max Rojas, José Pablo Solís y Jorge Crespo, entre otros.

Piszk ha realizado diez exposiciones individuales en espacios reconocidos en Costa Rica, El Salvador y México; además ha participado en más de 60 exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional. Cuenta con dos títulos de Licenciatura en Ciencias Sociales y varias publicaciones de cuentos en antologías de escritura creativa.

“Mi inspiración es la luz del paisaje que entra por la venta de mi taller. Cuando las personas vean mis obras deseo que interactúen con ellas a través de una experiencia vivida”.

Daniela Vargas Winiker es Licenciada en Administración de Empresas con énfasis en Mercadeo, ha realizado estudios de dibujo y pintura en varios talleres de renombrados artistas costarricenses como: Marijose Terán, Osvaldo Sequeira, Gonzalo Morales Sáurez, Rodrigo Brenes, Luis Paulino Delgado y Guillermo Porras On.

Desde el 2016 las mariposas han sido su tema de inspiración, conjugando la pintura con la escultura e instalación, logrando espacios interactivos en donde la experiencia sensorial pueda cautivar al espectador para que se adentre en ese mundo mágico.

Vargas cuenta con más de 50 exposiciones individuales y colectivas en Costa Rica principalmente, en el exterior ha expuesto en Estados Unidos, El Salvador, México, Corea del Sur y Europa.

“Pinto mariposas como una comunidad compuesta por una multitud de seres individuales, como un todo, en conjunto, en bandadas, en vuelo, de día, en el atardecer, en un infinito de escenarios de mi imaginación. Ellas calan en diferentes direcciones, en lo personal, profesional, la vida, la muerte, la naturaleza y mediante su transformación se refleja la constante de ir más allá, de que no hay límites ni impedimentos y que todo se puede si nos lo proponemos”.

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I Bienal de Arte Lumínico en Costa Rica reúne a 51 artistas
Mar
24
5:00 PM17:00

I Bienal de Arte Lumínico en Costa Rica reúne a 51 artistas

  • Obras de arte creadas por 51 connotados artistas cautivarán al público del jueves 8 de febrero y hasta el domingo 24 de marzo en la Galería Nacional. Entrada gratuita.

El Centro Costarricense de Ciencia y Cultura (CCCC) y la Galería Nacional (sede Museo de los Niños) se complacen en presentar la I Bienal de Arte Lumínico en Costa Rica, en la cual un total de 51 connotados artistas y creadores, cautivarán al público a través de obras de arte inéditas, minuciosamente elaboradas con diferentes materiales, técnicas, con variedad de formatos y donde la luz será el elemento predominante.

En la muestra participan pintores, grabadores, escultores, diseñadores, fotógrafos, arquitectos, entre otros creadores, quienes aceptaron el reto puesto por la Galería Nacional, de realizar proyectos completamente inéditos e innovadores usando la luz como eje de inspiración.

El objetivo de la Galería Nacional es acercar a los artistas y al público costarricense de una forma directa e innovadora a las más modernas tendencias en lo que respecta la creación de obras de arte con predominancia de la luz y los nuevos movimientos del Siglo XXI en las artes, tal y como ocurre actualmente en los museos y galerías de los países de primer mundo.

Los artistas participantes en esta primera edición son: Jacob Agüero, Vicente Alpízar, Rebeca Alpízar, Teresa Apud, Elia Arce, Nina Bebout, Alvaro Bracci, Herberth Bolaños, Andrés Cañas, Alejandro Castañeda, Mirta Castro, Luis Chacón, Francisco Córdoba, Jonathan Durán, Eliú Espinoza, Rafa Bernardo Fernández, Blanca Fontanarrosa, Ana Victoria Garro, Álvaro Gómez, Otto Apuy, Daniel Gómez, Gloria Calderón, Heriberto Gómez, Cristina Gutiérrez, David Hernández, Roberto Lizano, Carlos Roberto Lorenzana y Mario Maffioli.

El público también podrá admirar las obras de Ana Isabel Martén, Felipe Martínez, Melissa Matamoros, Ana Matteucci, Silvia Monge, Ruth Moreno, Jorge Murillo, Paulina Ortíz, Loida Pretiz, Wendel Rivera, Carlos Rodó, Gioconda Rojas, Jorge Salazar, Alessandra Sequeira, Osvaldo Sequeira, Juan Carlos Sojo, Otton Rafael Solís, Zulay Soto, Iris Terán, Lorena Villalobos, Clara Warserstein, Jorge Zamorán y Manuel Zumbado.

Durante el periodo de exhibición, todas las salas de la Galería Nacional serán tomadas por atractivas y novedosas obras de arte, creadas con una amplia variedad de materiales, recursos, técnicas y que sorprenderán a los amantes del arte y al público en general con diversos tamaños, colores y formas.

La I Bienal de Arte Lumínico estará abierta al público en la Galería Nacional del 8 de febrero al 24 de marzo en horario de martes a domingo de 9:00 a. m. a 5:00 p. m. La entrada es gratuita para el público en general.

Para más información, el público puede visitar el Facebook Galería Nacional CR o enviar un mensaje al WhatsApp 7003 7070.

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Diseñador francés llega a Costa Rica para vincular el arte y el deporte
Mar
23
6:30 PM18:30

Diseñador francés llega a Costa Rica para vincular el arte y el deporte

El diseñador francés, Jérémie Nassir, llega a Costa Rica para hablar sobre el encuentro de sus dos grandes pasiones: el arte y el deporte. 

En el marco de la Semana del Diseño, la Alianza Francesa trae al fundador de Trajectoire Studio, un estudio de creación que realiza exposiciones de diseño inspiradas en múltiples deportes, en especial el basketball.

El artista tiene un amplio recorrido trabajando con marcas a nivel mundial (Adidas, NBA, Puma, Lacoste…) y su objetivo principal es democratizar el arte a través de la pasión del deporte, creando encuentros, promoviendo el deporte responsable.

“En este 2024 los Juegos Olímpicos se celebrarán en París, por esto el deporte es un eje importante para nosotros este año. Hemos decidido traer a Jérémie, un reconocido diseñador, para crear una exposición junto con artistas locales, y dar un taller a estudiantes de diseño y arquitectura” relató Emmanuelle Gines, directora de la Alianza Francesa. 

Exposición colectiva. 

Nassir realizará una exposición colectiva junto con 5 artista locales: “When sport inspires”. El público podrá verla de forma gratuita en la Antigua Aduana del jueves 14 al domingo 17 de marzo. También podrá disfrutarla en un formato reducido del 18 al 23 de marzo en las instalaciones de la Alianza Francesa.

Esta exposición interactiva pondrá al público a jugar, a reflexionar y a dialogar con las piezas de diseño. El público podrá escribir en bolas de fútbol, derribar un muro con jugadores de un futbolín o escuchar frases que han perseguido a las mujeres ciclistas a lo largo de los años. 

Los artistas costarricenses implicados son: Laura Astorga, Elizabeth Arguello, Carlos Arias, Claudio Corrales y Estefanía Hidalgo.

Intervención en el polideportivo Aranjuez. 

Como parte de los talleres que impartirá, estudiantes de diseño y arquitectura de la Universidad Veritas trabajarán en propuestas de intervención en la cancha de basket del polideportivo Aranjuez. Las propuestas serán evaluadas por un jurado y la propuesta ganadora se desarrollará durante el 2024. 

“Nos emociona particularmente este taller ya que serán los estudiantes quienes propondrán mejoras a este espacio público para incentivar la práctica deportiva, el bienestar y el movimiento, siempre bajo la guía de un experto como Jérémie, con una amplia experiencia en el campo”, recalcó la directora del establecimiento. 

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'“El Nudo” es la primera exposición del 2024 de la Galería Siegfried Schosinsky
Mar
1
5:00 PM17:00

'“El Nudo” es la primera exposición del 2024 de la Galería Siegfried Schosinsky

  • Galería del BCR está ubicada en el primer piso de las oficinas centrales de la entidad

  • Obras del artista Andrés Barón Mazuera

La Galería Siegfried Schosinsky del Banco de Costa Rica (BCR) inicia el periodo de exposiciones 2024 con la muestra “El Nudo” del artista colombo-costarricense Andrés Barón Mazuera.

El nombre de la exposición hace referencia a la diversidad de temáticas presentes en la muestra, la cual se une en una sola amalgama a través de un nudo común el cual es el propio artista quien con sus manos y pinceles da vida a cada cuadro.

Desde este viernes 19 de enero y hasta el viernes 1º de marzo, 12 obras de mediano y gran formato, cuya técnica principal es el “oleo y carboncillo” se exponen en el primer piso de Oficinas Centrales del BCR, en un horario de lunes a viernes entre las 09:00 am y las 03:30 pm, de manera gratuita.

Para el BCR el arte representa una ventana a la riqueza cultural que define al país; su esencia permite conectar a cada persona que transita por los pasillos de la entidad y observa las obras expuestas con la historia, la vida, la naturaleza, los sentimientos y sobre todo con la expresión cultural de quien plasma su sentir a través de diferentes técnicas, texturas y colores.

Andrés Barón Mazuera

Llegó a Costa Rica desde su natal Colombia en 1996; sus grandes maestros fueron Miguel Ángel Rojas, Luis Caballero y el gran colorista Hernando “momo” del Villar, además es miembro activo de la Asociación de Pintores y Escultores Españoles AEPE.

Diseñador gráfico de profesión, tiene grandes dotes de dibujante con un alto dominio de la anatomía humana y animal. Su destreza en el dibujo se aprecia muy bien en los acentos que logra con trazos firmes y decididos en carboncillo, que le dan la fuerza que requiere la obra.

El año pasado el artista participó en varias exposiciones, entre ellas:

"Conexiones Sin Fronteras" en la ciudad de Chefchaouen – MarruecosExpres-Arte 2023 Buenos Aires – ArgentinaEl Tribunal Supremo de Elecciones de Costa RicaLa Terminal Aérea Privada GAT del Aeropuerto Internacional Juan SantamaríaBiblioteca y Hemeroteca de CartagoInauguración de la Galería 13:32Embajada de Paraguay en Costa Rica

En mayo el pintor Andres Barón asistirá como invitado del Museo Diocesano e Capitulari di Terni Humbria, y al Civico 25 Piccola galería l, en Asís, Italia.

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FEBRERO 2024 - Lado V y TEOR/éTica
Feb
29
6:30 PM18:30

FEBRERO 2024 - Lado V y TEOR/éTica

16 de febrero 2024, 4:00 PM

Charla Virtual - Acciones comunes: Archivos, museos y colecciones. Los casos de Cherán y Salaverna

Fecha: 16 de febrero 2024, 4:00 PM
Moderado por: Natalia de la Rosa (MEX)
Via Zoom

Participan: Alain Silva Guardian, Bethel Cucué, Giovanni Fabian Guerrero y Rosi Huaruco del Museo de Sitio de Cherán (MEX), y Bea Millón del Archivo de piedras robadas (ESP/MEX)

Esta conversación pone en diálogo dos casos en que las manifestaciones políticas y crisis extractivas desataron otras formas de archivos, museos o colecciones. Se abordarán los casos de Cherán, Michoacán, y las manifestaciones artísticas que acompañan al movimiento autónomo desde hace una década a través de la experiencia de Bethel Cucué, Rosi Huaroco, Giovanni Fabian Guerrero y Alain Silva Guardian; así como el trabajo de Bea Millón en Zacatecas, en concreto, la labor de acompañamiento y diálogo con Don Roberto de la Rosa.

+ más información

21 de febrero, 6:30 PM

PROYECCIÓN Y CHARLA - La restauración absoluta de todas las cosas

A cargo de: Miguel Fernández de Castro y Natalia Mendoza

Fecha: 21 de febrero, 6:30 PM
Lugar: Sala Joaquín Gutiérrez, 4to piso de la Facultad de Letras, Universidad de Costa Rica

Proyección del video The Absolute Restoration of All Things (2022), obra realizada por Miguel Fernández de Castro (México) en colaboración con Natalia Mendoza (México), quienes estarán presentes para propiciar una conversación sobre la lucha de El Ejido el Bajío contra la invasión de sus tierras por parte de la minera Penmont en Sonora, México, y sus estrategias de investigación y creación alrededor de la violencia extractiva en esta re
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22 + 23 febrero 4:00pm - 7:00pm

TALLER - La frontera como modo de producción

A cargo de: Miguel Fernández de Castro y Natalia Mendoza

Fechas: 22 + 23 de febrero 2024
Horario taller: 4:00 PM - 6:00 PM
Lugar: Lado V (modalidad presencial)

GRATUITO // CUPO LIMITADO -
Inscripciones al correo
comunicacion@teoretica.org

En este taller, Miguel Fernandez de Castro y Natalia Mendoza, co-fundadores de Altar. Centro de Investigación, compartirán sus experiencias de trabajo de campo en la región fronteriza del norte de México y explorarán estrategias creativas en contextos de violencia, migración, narcotráfico y extracción minera. Durante la primera sesión, se examinarán algunas herramientas conceptuales para entender el orden social y material que ha cobrado forma en las últimas décadas en la región del desierto fronterizo. En la segunda sesión, se discutirán modos específicos de concebir la investigación y la creación en este tipo de territorios.

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Exposición abierta

Museos Dinámicos

Trazos y enlaces entre nueve propuestas críticas

Fechas de la exposición: 19 octubre 2023 al 09 marzo 2024

Esta exposición pone en relación nueve proyectos que coinciden en redefinir al museo como categoría. Se han elegido aquellas propuestas tanto de México como de Costa Rica que plantean una crítica a esta institución, surgida desde el proyecto ilustrado y caracterizado por partir de una base colonial y patriarcal que atiende a nuestra subjetividad. Todas las obras puestas en diálogo utilizan dicha referencia cultural para plantear una alternativa museológica, acompañada por la formación de colecciones, archivos y formatos de clasificación. Más allá de una apuesta destructiva, distintiva de algunas acciones artísticas posmodernas y otras poscoloniales, estos ejemplos tienden a remitir al modelo museístico para construir una posibilidad alterna sobre estos espacios.

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Una nueva manera de coleccionar artes visuales se muestra en el Centro Cultural de España
Dec
3
1:30 PM13:30

Una nueva manera de coleccionar artes visuales se muestra en el Centro Cultural de España

  • La exposición reúne un modelo editorial innovador con el arte visual contemporáneo de España.

  • Las 200 personas más destacadas de la cultura costarricense recibirán un reconocimiento por su aporte.


El Centro Cultural de España inaugura una nueva exposición que reúne un proyecto editorial con arte visual contemporáneo español de vanguardia. Se trata de Los 200: Hacia un coleccionismo alternativo e inclusivo la cual forma parte del proyecto editorial Los Doscientos, ideado por Rafael Doctor Roncero en el 2014, y que presenta, por primera vez en el país, un modelo de coleccionismo de arte visual que busca aproximarse a esa práctica artística desde una perspectiva más incluyente y en una versión accesible para todo tipo de público.

Esta iniciativa reúne a 200 personas que año tras año reciben un libro que recopila la reproducción de 200 piezas de un artista visual destacado y, del mismo modo, adquieren una de esas 200 obras en su formato original. 

De esta manera, además del vínculo social que genera la iniciativa, se producen 200 libros con alto valor artístico y se amplían las colecciones de las personas participantes.  

Rafael Doctor Roncero es historiador del arte, escritor y gestor cultural. Ha trabajado para importantes instituciones españolas como Canal de Isabel II, Casa de América o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, además de fundar y dirigir durante siete años el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC). 

La muestra se inaugura el viernes 22 de setiembre a las 7:00 pm, y, como ya es costumbre en el CCE, habrá una gran fiesta en la que el público disfrutará de comida, bebida y música gratis. DJ’s como Sonora en Plutón o la China Venenosa pondrán la nota musical a este gran evento. 

Para complementar la exposición, el Centro Cultural de España hará un merecido homenaje a las 200 personas más destacadas de la cultura nacional. Mediante una votación popular realizada en redes sociales y en la que participaron más de 1600 personas, se seleccionaron hombres y mujeres que han marcado el acontecer cultural costarricense. El mismo viernes 22 de setiembre, recibirán su reconocimiento y, posteriormente, formarán parte de un libro digital que recopilará su legado.


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Exposición “Barrio México 100” presenta un recorrido por  los espacios y rincones  de este barrio
Oct
30
6:00 PM18:00

Exposición “Barrio México 100” presenta un recorrido por  los espacios y rincones  de este barrio

  • Colectivo Pintores al Aire Libre (Pintal) presenta 80 obras inspiradas en el paisaje urbano de Barrio México.

El colectivo Pintores al Aire Libre (Pintal) y la Botica Solera de la Municipalidad de San José presentan la exposición Barrio México 100.

Las 80 pinturas que conforman la muestra en exhibición, registran distintas manifestaciones arquitectónicas en casas de habitación yedificaciones representativas de la historia y el desarrollo de Barrio México.

La exposición muestra el trabajo del colectivo Pintal compartiendo la visión e interpretación que los pintores han plasmado en sus obras. 

Para los años 30 del siglo XX, Barrio México era considerado un lugar ideal para vivir, por su cercanía del centro de San José, su clima y por la gente que habitaba en él. En esta colección de pinturas y urban sketchs, Pintal brinda un homenaje a esa comunidad que hizo de este barrio un ejemplo de buena vida. Al cumplir 100 años de fundación el deterioro generalizado de San José ha afectado a Barrio México, lo que se refleja en sus viviendas y edificios, por ello se espera generar conciencia en el visitante sobre la importancia de su protección y reconocimiento público.

Barrio México cuenta con importantes edificios como el de la Escuela República de Argentina, declarado Patrimonio Arquitectónico el 6 de agosto del 2009 o la Parroquia de la Santísima Trinidad fundada en 1956. Este barrio cuenta con una gran concentración de arquitectura art déco, así como casas de madera conocidas  popularmente como “casas baratas” de los años 20. Todos estos inmuebles son una manifestación viva de la historia de esta comunidad.

Pintal es un colectivo costarricense  integrado por de más de 60 pintores de distintas edades y formaciones, unidos por el gusto de pintar al aire libre, asumiendo el reto de captar la luz, las sensaciones cromáticas y la atmósfera de los espacios que toman como modelo. Este año el colectivo cumple seis años de actividad continua.

Las mayoría de las 80 obras en exhibición son de reciente creación. Están hechas en técnicas de óleo, acrílico, acuarela y plumilla sobre tela y papel. Fueron seleccionadas a partir de un proceso de participación interno, donde se eligieron las propuestas de 38 de sus miembros.

En Barrio México 100 el público podrá disfrutar de los trabajos de: Alejandro Méndez, Carlos A. Zúñiga, Cristina Bermúdez, Damaris Arias, Damaris  Gutiérrez, Doreen Bákit, Eliette Cascante, Esther Monge, Evelyn Garrido, Fernando Rudín, Fiorella Del Vecchio, Fresia  García, Gabriela Ureña, Gino Boschini, Guido Chinchilla, Herberth Bolaños, Johnny Arroyo, Jorge Murillo, Kattia Granados, Luis Diego Mèndez, Leticia Céspedes, Ligia Arroyo, Lorena Artavia, Lorena Valdeperas, Margarita Madrigal, Mariamalia Sotela, Marta Yglesias, Mauricio Valerio, Miguel Segura, Orietta Ortiz, Oscar Sancho, Patricia Mora, Patrizia Gallo, Ricardo Jiménez, Ronald Aguilar, Rocío Hidalgo, Rubén Vargas y Silvia Aguilar. 

La inauguración será el sábado 7 de octubre, de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. El público puede visitar la exposición hasta el 30 de octubre, en horario de lunes a viernes de 7:30 a.m. a 4:00 p.m., en la galería del Centro  Multicultural Botica Solera, ubicado en Calle 10, Av 9-11,  Barrio México, San José. 

Pintal se proyecta a las comunidades donde trabaja. En esta ocasión ofrecerá visitas guiadas para niños, talleres de pintura para adultos y una conferencia sobre la historia de Barrio México por el Dr. Edwin Solano. 

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Creaciones artísticas invitan a reconectarnos con lo ritual
Aug
30
9:00 AM09:00

Creaciones artísticas invitan a reconectarnos con lo ritual

  • La muestra está compuesta por instalaciones, esculturas, pinturas, videoperformances, entre otros formatos visuales. 

  • Todas las obras se exhiben por primera vez en los Museos del Banco Central, e incluso, algunas fueron creadas para la exhibición.

Convicciones y creencias de vida de 20 artistas costarricenses se entretejen con sus procesos creativos a manera de rituales de transformación, sanación, expresión y conexión con el universo. La nueva exhibición de los Museos del Banco Central de Costa Rica, El hilo vibrante, invita a conocer y experimentar sus procesos y creaciones artísticos a partir del 5 de agosto. 

La exhibición reúne un conjunto de obras que revitalizan el nexo que existió entre el arte y el ritual desde el origen de la humanidad. Esto, de diversas formas: a veces de manera sutil, en el simbolismo y en los recursos expresivos de las obras; en otras ocasiones, por medio de sus referentes o por ser parte integral de procesos creativos ritualizados y; otras veces, por el tipo de experiencias que suscitan. El estudio de las obras a la luz de la temática de la ritualidad se incluye en una publicación impresa que acompañará la muestra.”, explica María José Monge, curadora de artes visuales de los Museos encargada del proyecto.

Estas obras, de formatos muy variados, actúan como las hebras de un gran hilo vibrante que pretende activar nuestra capacidad de generar relaciones resonantes con el entorno, los otros y nosotros mismos. Desde la Plaza de la Cultura, pasando por el segundo subnivel del Museo y llegando hasta el tercero, El hilo vibrante, es un recorrido que invita a hacer una pausa, a empatizar con la historia de los artistas y a descubrir lo ritual en la cotidianidad tanto a nivel individual como colectivo. 


En comunión con el cosmos

“Ser parte de un ordenamiento cósmico mayor es una inquietud compartida en algunas de las obras que conforman esta exhibición. Desde esta premisa, las obras son canales para honrar, propiciar, agradecer y reciprocar las diversas dimensiones de la existencia, muy vinculada a la tierra y la naturaleza”, añade Monge.

En esta sección de la exhibición, por ejemplo, el artista Rafael Ottón Solís, influido por sus interpretaciones en torno a los sitios arqueológicos precolombinos y la fe cristiana, recrea una especie de monumento circular lleno de piedras con una ruptura en su circunferencia, la cual simboliza el desequilibrio cósmico a causa de las formas como los seres humanos nos relacionamos con el planeta. El silencio. “Soy como el agua que se derrama” es el título de esta instalación ubicada en la Plaza de la Cultura. 

Aquí, también se encuentra la obra Serpiente de agua, de Lucía Madriz. Esta es una obra táctil y sonora que, a través del simbolismo del conjunto agua-serpiente-ave, y de su alcance multisensorial, celebra los saberes ancestrales acerca de la interdependencia y la regeneración como principio cósmico de la vida. Como en el caso de Solís, para Madriz el deterioro del medio ambiente es una preocupación fundamental.

Rituales capturados en imágenes

La escenificación de lo ritual es subrayada en el conjunto de obras de esta sección. En ellas se destacan la importancia que el espacio, el tiempo y el cuerpo tienen en la consecución de los juegos, las procesiones o las fiestas. Tal es el caso de la obra Después de la lluvia de Adrián Arguedas y fotografías de José Díaz, Giorgio Timms y Victoria Cabezas han fotografiado algunos rituales existentes en Costa Rica. 

La mirada de estos fotógrafos del Juego de los diablitos, la Marcha del orgullo LGTBIQ, las procesiones de la Semana Santa y otros elementos alusivos a altares religiosos resaltan el efecto de vinculación y de fortalecimiento de los sentidos de pertenencia. 

Creaciones de liberación y sanación

La violencia es contrarrestada con gestos rituales de liberación, transformación y sanación en las obras del siguiente apartado de la muestra. En los videoperformances, videocreaciones y fotografías documentales de performances que se podrán ver aquí, los cuerpos de los artistas son los protagonistas. 

Por ejemplo, Marton Robinson, con su obra No le digas a mi mano derecha lo que hace la izquierda, o Javier Calvo con El nuevo mundo, usan su cuerpo para manifestarse sobre el rol que el color de la piel ha tenido en la configuración histórica de América. 

Robinson utiliza su cuerpo para borrar una pared intervenida con dibujos emblemáticos del imaginario costarricense acerca de la negritud. Calvo, por otro lado, parte de la creencia popular de que la calvicie es una herencia española e intenta “corregir” la ineludible herencia histórica y biológica restituyéndose su cabello con el tatuaje a tinta blanca de líneas distribuidas en cuentas de 1 al 5.

Corporalidades transformadoras

Finalmente, “en algunas prácticas artísticas el cuerpo se dimensiona como un microcosmos en transformación, susceptible de canalizar y de propiciar procesos de crecimiento a escala individual y colectiva”, explica Monge. 

Este tipo de experiencias creativas se reúnen en la última sección de la muestra. Obras de Luis Fernando Quirós, Karla Solano, Priscilla Romero o Alessandra Sequeira son parte de ella. 


De Quirós se muestra la fotografía Autodefensa y naturaleza, en la que el artista se autorretrata y se desdobla con una especie de mascarillas hechas de hojas y bejucos, elementos de protección asociados a su infancia. Por otro lado, la videoinstalación Conducto, de Solano, superpone la imagen de la artista con una cuerda que configura una especie de útero que evoca los nexos materiales e inmateriales que nos vinculan a los unos con los otros.

Sequeira, por otra parte, en una de sus obras, titulada Memoria del Cuerpo, invita a penetrar en una especie de capullo tejido con bambú y ramas hecho para propiciar y acuerpar experiencias introspectivas. Romero, muestra su instalación Archivo digital. Un memorial de la condición humana. En ella, la piel como matriz primigenia de la existencia de cada persona es esencial para crear “pieles” con latexgrafía, impresiones de la matriz latexgráfica en papel y dedos en yeso. Todas ellas, recopilan las huellas de miles de personas desde el 2018 haciendo eco del sentido colectivo del ritual.  

La muestra conformada por 38 obras, estará abierta hasta el 2023.  Una de las primeras actividades que se realizará para el público son visitas a la exhibición con la presencia de algunos de los artistas, con quienes podrán conversar a la luz de una serie de preguntas.  Se realizarán los miércoles 17 y 24 de agosto a las 2 p.m. y los interesados en participar pueden pedir información a educacion@museosdelbancocentral.org

 

Artistas de la exhibición: Adrián Arguedas, Alessandra Sequeira, Aquiles Jiménez

Dino Urpí, Elia Arce, Emma Segura, Giorgio Timms, Javier Calvo, José Díaz, Karla Solano, Lucía Madriz, Luis Fernando Quirós, Marton Robinson, Mimian Hsu, Rafael Ottón Solís, Roberto Guerrero, Priscilla Monge, Priscilla Romero, Tamara Ávalos, Victoria Cabezas

 

 Los Museos del Banco Central de Costa Rica se ubican bajo la Plaza de la Cultura sobre calle 5 y abren todos los días de 9:15 a.m. a 5 p.m. El costo de la entrada es de ¢2500 para nacionales, ¢500 para estudiantes costarricenses, $11 para estudiantes extranjeros y $15 para extranjeros regulares. Niños menores de 12 años y ciudadanos de oro no pagan. Los domingos es 2x1 para costarricenses y residentes. Las entradas están a la venta en la boletería o en  https://boleteria.museosdelbancocentral.org/


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Da Vinci Il Genio - exposición de arte inmersivo
Jul
16
5:30 PM17:30

Da Vinci Il Genio - exposición de arte inmersivo

  • La exposición cuenta con 6 salas, entre ellas: la holográfica, la inmersiva y la virtual

  • Entradas están a la venta en passline.com

  • El horario es de 10 de la mañana a 9 de la noche

La exposición de arte inmersivo de la vida y obra del artista Leonardo Da Vinci: “Da Vinci Il Genio”, estará a abierta al público durante todo el fin de semana. La exposición que inició desde este jueves 22 de junio, se extenderá hasta el domingo 16 de julio, en el Mall Oxígeno, Heredia.

“Da Vinci Il Genio” presenta hologramas, videos educativos y experiencias inmersivas donde el visitante puede seguir los pasos del artista. De esta manera, el público explora la vida y obra de Leonardo con imágenes, música, sonidos, luz y color, en una experiencia única y nunca antes vista en nuestro país, con vivencias sensoriales.

La muestra se divide en distintas partes: cuenta con una introducción histórica en donde se destaca la trayectoria artística de Da Vinci y la sitúa geográficamente. Además, contiene una proyección holográfica en donde cuenta su vida en primera persona. El recorrido tiene una galería de pinturas en la cual se pueden apreciar las distintas obras del artista en escala real para mayor apreciación de las imágenes.

Una experiencia única y personal es la sala inmersiva 360°, que cuenta con un sistema de multi proyección sincronizada. El recorrido cuenta además con una sala de inventos y un armado 3D de la icónica pintura del artista “La Última Cena”.

 El evento es para todo público y el horario se extendió de 10:00am a 9:00pm e ingresan grupos de 40 personas cada 15 minutos. El valor de las entradas de lunes a jueves, es de: ¢12.000 para adultos y ¢6.000 para niños; mientras que de viernes a domingo: ¢18.000 para adultos y ¢9.000 para niños; las mismas ya se encuentran a la venta en passline.com y también se pueden adquirir en boleterías al ingresso de la exposición. 

AIB BOOKING AND PRODUCTIONS ofrece esta exposición inmersiva, única en su tipo, pero sin duda alguna, perdurable en la retina y en la mente de cada asistente, como la obra del genio que cinco siglos después sigue asombrándonos con su legado.

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 Con muestra “Fragmentos Diversos”,  MAC abre agenda expositiva 2023
May
20
12:00 PM12:00

 Con muestra “Fragmentos Diversos”,  MAC abre agenda expositiva 2023

Con la muestra “Fragmentos Diversos” el Museo de Arte Costarricense (MAC) abre al público su primer proyecto expositivo del año.

La exhibición presenta una recopilación de la obra del artista nacional Harold Fonseca, como parte de uno los objetivos institucionales del Museo, como es recorrer la labor y legado de los artistas representados dentro de su colección. 

De acuerdo a la Curadora del MAC, María José Chavarría, la obra de Fonseca “es potente y colorida, con un uso magistral de síntesis de la forma. Es posible observar la mezcla entre la mención de elementos autóctonos, como de la presencia de referentes de la historia del arte.”

“No solamente su producción está compuesta de diversos fragmentos de información, si no que a la vez, esta exposición se conforma por obras que de manera dispersa, dejan ver una parte importante de su trabajo”, destacó Chavarría.

Con “Fragmentos Diversos”, el MAC traduce su interés de poner en valor la obra del Fonseca debido a que la misa ha sido poco difundida dentro de la producción artística costarricense.

Una de sus últimas muestras realizadas en nuestro país fue la exposición titulada “Caminos” y que se realizó en la Casa de la Cultura Popular José Figueres Ferrer en 1998. En esta se articularon una serie de obras que, a como el artista lo deseó, quedaron en Costa Rica y algunas de estas incluso, en colecciones estatales.


Sobre el artista

Harold Fonseca fue un reconocido dibujante y pintor costarricense que, a pesar de haber desarrollado su carrera pictórica en Estados Unidos, tuvo un importante papel en la escena artística nacional.

Cursó agronomía en la Universidad de Costa Rica e inició sus estudios de dibujo en nuestro país. Se desempeñó como profesor de dibujo y realizó ilustraciones para libros de texto escolares.

Fuera de nuestro país, se profesionalizó en apreciación e historia del arte en Corcoran School of Art and Design, Escuela de arte profesional de la Universidad George Washington en Washington D.C. así como en  ilustración y diseño en el Art Institute en Chicago.

Fue ilustrador y diseñador de publicaciones de la Organización de Estados Americanos (OEA) y con el apoyo del crítico de arte e historiador José Gómez-Sicre, en 1960 presentó su primera exposición individual, representando a Costa Rica en la Primera Exhibición Internacional de Arte Contemporáneo en Estados Unidos.

Se desempeñó, en 1960, como el primer director de la Oficina Nacional de la OEA en Costa Rica, época en la que participó activamente en la formación del Grupo Ocho, una revolucionaria agrupación, que nació con el interés de promover y discutir sobre el arte moderno y las tendencias no figurativas y que fue precursora del arte abstracto en Costa Rica y que mantuvo su interés en infundir un impulso a la creatividad dentro del ambiente artístico y cultural nacional.

En este proceso, Fonseca participó junto con los artistas Luis Daell, Rafael “Felo” García, Hernán González, Manuel de la Cruz González, Guillermo Jiménez, César Valverde y Néstor Zeledón Guzmán. en 1961. Un año después, se sumarían Lola Fernández y Guillermo Combariza.

Dentro de su carrera internacional, obtuvo el primer premio, en el certamen de la "Semana de la Hispanidad" en Estados Unidos. Su obra fue galardonada  en el VII Certamen de Cultura de El Salvador, en Art League of Northern Virginia, y en The Spanish Heritage Week of Art Exhibit en 1974. En 1981 fue invitado por el Instituto de Cooperación Iberoamericano,a exhibir en el Palacio de Benacazón, en Toledo, España. 

La exposición, que está abierta al público desde la semana anterior, incluye una pequeña parte de su producción pictórica y reúne un total de 18 obras del artista costarricense, todas pertenecientes a la colección del MAC.


Para visitar a la muestra

Hasta mediados del mes de mayo de 2023, el público podrá visitar la exposición en la sede del MAC en el Parque Metropolitano La Sabana, de martes a domingo de 9:00 a.m. a 4:00 p.m. sin necesidad de realizar reservación previa y con entrada es gratuita.

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Hasta 31 de marzo - Exposición de arte “Analogía” (Evento Esencial Costa Rica)
Mar
31
8:00 PM20:00

Hasta 31 de marzo - Exposición de arte “Analogía” (Evento Esencial Costa Rica)

Ubicación: Hotel Radisson San José

Fechas: del 02 de febrero al 31 de marzo 2023

Horario: de lunes a domingo de 8:00am a 5:00pm

Entrada gratuita

Artistas participantes: Damaris Gutiérrez, Luisa Valerín, Ricardo Vega

Temática: pintura figurativa realista y realismo mágico

Para más información seguir las redes sociales de Radisson San José y Lapislázuli comunicación

https://www.facebook.com/RadissonSanJose

https://www.facebook.com/lapislazulicomunica

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Exposición de arte “Analogía” (Evento Esencial Costa Rica)
Mar
16
10:00 PM22:00

Exposición de arte “Analogía” (Evento Esencial Costa Rica)

Ubicación: Hotel Radisson San José

Fechas: del 02 de febrero al 31 de marzo 2023

Horario: de lunes a domingo de 8:00am a 5:00pm

Entrada gratuita

Artistas participantes: Damaris Gutiérrez, Luisa Valerín, Ricardo Vega

Temática: pintura figurativa realista y realismo mágico

Para más información seguir las redes sociales de Radisson San José y Lapislázuli comunicación

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Hasta el 5 de marzo - Instimistmos, intercambio de saberes del arte centroamericano
Mar
5
10:30 AM10:30

Hasta el 5 de marzo - Instimistmos, intercambio de saberes del arte centroamericano

  • Muestra arrancó el 9 de diciembre y se prolongará hasta el 5 de marzo del próximo año

  • El Centro Cultural de España ha celebrado su 30 aniversario a lo largo del año con sus exposiciones

El Centro Cultural de España (CCE) en Costa Rica presentó el pasado 9 de diciembre la muestra Instimistmos, donde artistas y curadores provenientes de Costa Rica, El Salvador, Guatemala y Panamá conforman la última exposición del año en el CCE. Se trata de un trabajo conjunto de duplas internacionales que permiten un proceso creativo íntimo, donde a partir del diálogo interregional, los encuentros y desencuentros teóricos, los contextos habitados y las biografías vividas, se logró captar en diversos medios artísticos ciertos espacios internos que no pueden ser traducidos más que por el arte.

La muestra viene derivada de las ‘Residencias Artísticas Regionales de Producción Curada’, organizadas por el Centro Cultural de España en Costa Rica durante 2021, donde participaron estos pares de artistas y curadores. El intercambio de saberes y sentires a lo largo del istmo derivó en un proceso de revisión crítica de los temas que nos atraviesan como sujetos y como región.

Los curadores que acompañaron los procesos creativos de los artistas de las residencias son los mejores que se pueden encontrar en la región centroamericana.

El mencionado programa de residencias del Centro Cultural de España busca propiciar un encuentro entre artistas y curadores de diferentes países y estrechar vínculos a nivel de Centroamérica entre instituciones, organizaciones y colectivos que promueven el arte y la cultura para fortalecer el entramado cultural de la región.

La muestra, que arrancó el 9 de diciembre con una fiesta en el Centro Cultural de España en Costa Rica, continuará en exposición hasta el 5 de marzo del próximo año y se podrá visitar a diario de 9 am a 9 pm. Se trata de la última exposición inaugurada en el presente año en el CCE.

“La cultura debe formar parte esencial de la sociedad, es fundamental para su desarrollo”, asevera Ricardo Ramón, director del Centro Cultural de España en Costa Rica, institución que cumple 30 años en el país y que viene conmemorando la efeméride desde el mes de noviembre. Desde 1992, el centro ha estado incidiendo en las problemáticas presentes y en sus proyecciones futuras: “También ha sido un excelente semillero, muchos de los poetas, escritores, artistas hoy exitosos, han salido a la luz gracias a las actividades y publicaciones del CCE, por lo que estamos muy orgullosos de haber servido de trampolín a sus carreras artísticas. Esta labor la seguimos trabajando con entusiasmo y esperamos que dentro de poco las figuras que apoyamos hoy sean los grandes representantes de la cultura costarricense. Pero El Farolito, también ha sido Faro de la cultura española e Iberoamérica, y así mismo,  nuestra vocación internacional ha propiciado la presencia de la cultura tica en otros países”.

Las curadoras de Intimistmos

Natalia Domínguez, co-dirige Proyecto Ensayo y Error, curadora y artista salvadoreña que ha realizado muestras personales en El Salvador y Guatemala y participado en exhibiciones colectivas en El Salvador, España, Honduras, México, Nicaragua, Taiwán, Cuba, Guatemala, Costa Rica, entre otros.

Tatiana Muñoz Brenes es una curadora de arte e investigadora costarricense, especializada en museos LGBTIQ+ y arte cuir. Actualmente es curadora del Museo de la Identidad y el Orgullo y tiene una exposición abierta en la galería de la Rubin Foundation en New York.

Ambas también estuvieron presentes en la curaduría del programa de residencias, del que viene derivado Intimistmos.

Cabe destacar que, entre los expositores, está la reconocida artista costarricense Alessandra Sequeira, quien ha ganado, entre otros, los premios de la exhibición de la Galería de Etiquetas de Bruselas y en Northern Trust y en la Galería de Expresión de Espace Carlos Cruz Diez (Miami).  Es una artista multidisciplinaria, especializada en dibujo, pintura, instalaciones de gran formato, escultura y arte textil. Ha expuesto en más de 150 exposiciones colectivas y más de 20 exposiciones individuales en las últimas dos décadas, en museos y galerías por todo el mundo.

Artistas y curadores participantes

Silvia García-Solís (Costa Rica) y Patricio Majano (El Salvador)

Kar Esquivel (Costa Rica) y Maya Juracán (Guatemala)

David Ahmed Jiménez (Costa Rica) y Gladys Turner (Panamá)

Yavheni de León (Guatemala) y Sofía Villena (Costa Rica)

LAndrés Paz (El Salvador) y Tatiana Muñoz-Brenes (Costa Rica)

Alessandra Sequeira (Costa Rica) y Natalia Domínguez (El Salvador)

Alberto Tenorio (Costa Rica) y Diego Ventura (Guatemala)

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Exhibición presenta las fotografías que representaron al país en Copa Mundial
Feb
25
7:00 PM19:00

Exhibición presenta las fotografías que representaron al país en Copa Mundial

  • La exposición está formada por 24 fotografías de 17 fotógrafos que representaron a Costa Rica en World Photographic Cup (WPC).

  • Apertura fue el 28 de enero y hasta el 25 de febrero en “F de Imagen” ubicado a 150 metros oeste del INVU en Barrio Amón, frente a JBP-REYMA. 

  • La entrada es libre y gratuita y el horario de visita será de miércoles a viernes de 1:00 pm a 6:00 pm, así como sábados de 10:00 am a 1:00 pm.

La fotografía costarricense se destaca una vez más en el mundo. La exposición “Costa Rica Photo Awards”, que incluye las fotografías del equipo de Costa Rica que participa en el World Photographic Cup (WPC) estará abierta hasta el 25 de febrero en “F de Imagen” ubicado a 150 metros oeste del INVU en Barrio Amón, frente a JBP-REYMA.

El World Photographic Cup es una competencia mundial de alto nivel que busca promover a fotógrafos y fotógrafas a través de equipos o selecciones conformadas en convocatoria nacional. La exposición está formada por 24 fotografías de 17 fotógrafos que representaron a Costa Rica. Dentro de la exposición se destacan los fotógrafos costarricenses Mario Wong y Sebastián Alba, lograron nominaciones y se ubicaron en el Top 10 en diferentes categorías. Alba se logró meter en las categorías Ilustración y Comercial, mientras que Mario Wong obtuvo el galardón Best of Nation, un reconocimiento a la mejor foto del portafolio costarricense de acuerdo con el jurado de la WPC.

En la competencia World Photographic Cup, la cual para el 2023 tiene sede en Singapur, se hace un top 10 de cada categoría a nivel mundial, también está Retrato Ilustrativo, Retrato Natural, Naturaleza, Paisajes, Reportaje y Bodas, se realiza cada año y se inscriben países con su respectiva selección y cuya premiación fue anunciada el día de ayer.

La exposición es una oportunidad única para ver el trabajo de los mejores fotógrafos costarricenses y aprender sobre la belleza, creatividad y la diversidad del talento del país a través de sus ojos. La entrada es libre y gratuita y el horario de visita será de miércoles a viernes de 1:00 pm a 6:00 pm, así como sábados de 10:00 am a 1:00 pm.

La exhibición fue impresa por JBP Reyma con tecnología Epson. “Desde Epson extendemos nuestra invitación a todos los amantes de la fotografía y reforzamos nuestro compromiso de ser una plataforma que apoya el talento nacional. En esta exhibición tuvimos el honor de reproducir por medio de impresiones de alta calidad estas imágenes que muestran la calidad y la creatividad de estos artistas. Una vez más, Epson apoya y promueve el talento nacional e invita a todos a disfrutar del arte que hay en nuestro país” comentó José Brenes, gerente regional de mercadeo de Epson NOLA.

Adicionalmente, se brindarán diversas charlas en el espacio, una de ellas es la charla de “Preparación de archivos para impresión” a cargo de Gustavo Valle y un especialista EPSON. La cual abordará los aspectos técnicos como perfiles de color, contraste, relación de aspecto, formatos digitales, resolución y todo lo relacionado con la impresión fotográfica digital y se realizará el 4 de febrero a partir de las 10:30 am. Galería F.

La exhibición muestra las tomas realizadas por la representación costarricense de la competencia, en la que participaron los fotógrafos Joice Dahianna Ruiz Soto, Mauricio Ureña y Silvio Espinoza García en la categoría de Bodas; Alonso Soto Hernández, Mario Wong y Sebastián Alba Vives en la categoría Comercial; Juan José Pucci, Magda Monge y Sebastián Alba Vives en la categoría Ilustración; Luis Solano Pochet, Mary Jane Mc Cormick y Ronny Rojas Vargas en la categoría Naturaleza/Paisaje; y Juan José Pucci, Luis Solano Pochet y Mario Wong en la categoría Naturaleza/Vida Silvestre.

También participaron Francisco González, Mary Jane Mc Cormick y Silvio Espinoza García en la categoría Reportaje;  Alonso Soto Hernández, Carlos Zeledón Castro y Hazel Montenegro en la categoría Retrato Ilustrativo; y Gabriel Arce Gómez, Mercedes Arriola y Yahaira Segura Rodríguez en la categoría Retrato Natural.

 “Los esperamos para celebrar la fotografía costarricense y apoyar a nuestros fotógrafos en su camino en la World Photographic Cup” comentó Gustavo Valle, capitán del Costa Rica Photo Awards.

Para obtener más información, por favor comuníquese con el equipo a través del correo electrónico contacto@costaricaphotoawards.com  o, visite nuestro sitio web www.costaricaphotoawards.com.

Contacto de F de Imagen

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web: www.fdeimagen.com 

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Epson es líder mundial en tecnología dedicada a cocrear sustentabilidad y enriquecer a las comunidades con sus tecnologías eficientes, compactas y de precisión y sus tecnologías digitales para conectar a personas, cosas e información. La empresa tiene como objetivo solucionar los problemas de la sociedad mediante innovaciones en el ámbito de la impresión para el hogar y la oficina, la impresión comercial e industrial, la fabricación, la comunicación visual y el estilo de vida. Epson se convertirá en carbono negativo y eliminará el uso de recursos agotables del subsuelo tales como el aceite y el metal para el año 2050. Liderada por Seiko Epson Corporation con sede en Japón, el Grupo Epson genera, a nivel mundial, ventas anuales con un valor superior a JPY 1 trillion. global.epson.com/

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Hasta el 17 de febrero - Solamente yo puedo confeccionar mi mañana. Hilvanando memorias de Honduras
Feb
17
4:00 PM16:00

Hasta el 17 de febrero - Solamente yo puedo confeccionar mi mañana. Hilvanando memorias de Honduras

Esta exposición reúne el trabajo de tres artistas hondureñas: Celsa Flores, Regina Aguilar y Xenia Mejía. que dan cuenta de la historia profundamente resistente del arte contemporáneo en la región y de cómo ha sido atravesado por los cuerpos femeninos en el contexto hondureño.

La exposición estará abierta hasta el 17 de febrero 2023.

TEOR/éTica y Lado V estarán cerrados por vacaciones del 15 de diciembre 2022 al 11 de enero 2023.

+ Infomación sobre la exposición

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11 de febrero - El MADC inaugura 4 exposiciones nuevas
Feb
11
3:30 PM15:30

11 de febrero - El MADC inaugura 4 exposiciones nuevas

  • Arquitectura, tatuajes, performance feminista y un pequeño fin del mundo les espera en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo.

  • ·La Pila de la Melaza abre al público tras dos años de inactividad.

Curadurías: Paz Monge Cortés, José Picado-García, Fernando Chaves Espinach y Erika Martin-Arroyo (ganadora de Fondos Concursables 2022)

Abierto al público desde el 20 de octubre del 2022 al 11 de febrero del 2023

Salas  1, 1.1, 2, 3, 4 y Pila de la Melaza

 ¡El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) abre sus puertas con cuatro exposiciones distintas! Un conjunto de ejercicios curatoriales que contemplan diversos enfoques contemporáneos, se podrán visitar de manera simultánea en las salas del Museo a partir del 20 de octubre. La inauguración será gratuita y abierta a todo público.

 “Vamos a mostrar la esencia interdisciplinaria por la que el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo  ha optado en los últimos años, exhibiciones con temáticas nunca antes vistas en la programación del MADC, desde una retrospectiva de arquitectura hasta la intersección  entre  arte y diseño en medio del tatuaje. Por primera vez después de los dos años de pandemia retomamos los fondos concursables para darles espacio a artistas visuales y curadores para que se logren incorporar también a la programación del Museo con el acompañamiento curatorial del equipo”, explicó Paz Monge, directora del MADC. 

 La oferta curatorial incluye los proyectos ganadores de los fondos concursables de la Sala 1.1 y la Pila de la Melaza. El acto de apertura contará con la presentación del performance denominado “Inauguración del ritual luchón” a cargo del Colectivo Las Hartas, acto que forma parte de la exposición La Santa Luchona: La patrona de las que luchamos en las calles.

 

Más información de la agenda expositiva disponible en el MADC:

 Un proyecto de tendencias: 30 años de Bienales de Arquitectura en Costa Rica:

Sala 2 / 20 de octubre del 2022 al 11 de febrero del 2023. Curada por Paz Monge y José Picado-García.

 La muestra plantea la necesidad de revisar y estudiar la trayectoria de la Bienal de Arquitectura en Costa Rica,tanto de los proyectos y personajes que han galardonado, como de los intereses y tendencias que han legitimado. Con la intención de profundizar y cuestionar, en aspectos vinculados que abarcan desde los proyectos ganadores y sus respectivos discursos, hasta la propia estructura del evento como tal.

 “En este ejercicio curatorial se plantea la necesidad de definir a la Bienal de Arquitectura como un objeto de estudio fundamental; como una plataforma que, luego de 30 años, no solo ha procurado presentar un amplio panorama de la producción arquitectónica nacional, sino que, además, paralelamente se ha encargado de legitimar ciertos discursos y tendencias. Este proyecto supone la posibilidad de mostrar los enfoques que han caracterizado al evento, así como los cambios que han sucedido en términos de cómo se ha abordado el diseño arquitectónico en el país” mencionó Jose Picado-García, curador jefe del MADC

 

Marcas vivas. Algunos encuentros entre tatuaje, arte y diseño en Costa Rica:

Salas 3 y 4 / 20 de octubre del 2022 al 11 de febrero del 2023. Curada por José Picado-García y Fernando Chaves Espinach.

Un proyecto de investigación que se enfoca en la historia más reciente, en el contexto actual del tatuaje en Costa Rica.  La muestra se interesa en capturar la efervescencia del tatuaje en los más diversos lenguajes, atravesado por el arte contemporáneo y el diseño, explorado como una herramienta más por artistas que se mueven entre disciplinas con inquietudes constantes, y que encuentran en el tatuaje una forma de marcar vidas, cuerpos y culturas con su trabajo.

 “Nos parece importante visibilizar a las personas dedicadas al tatuaje, como una manera de celebrar su conocimiento, sus expresiones y sus aportes a la cultura. La muestra busca destacar a artistas emergentes que están utilizando el tatuaje como un medio de indagación artística y también, claro está, como fuente de ingreso. Convocamos a tatuadores y tatuadoras de distintas generaciones y estilos, no en busca de una especie de "antología del tatuaje costarricense" ni mucho menos una retrospectiva histórica exhaustiva, sino con la intención de capturar un momento en el tiempo, la efervescencia del momento que vivimos, cuando el tatuaje es cada vez más accesible y popular” comentó Fernando Chaves Espinach, curador adjunto del MADC. 

 Pequeño fin del mundo:

Pila de la Melaza  / 20 de octubre al 26 de noviembre del 2022. Curada por José Picado-García y Fernando Chaves Espinach.

 Es una instalación de mantas textiles del artista José Rosales, las cuales representan personajes y viñetas de sucesos que se mueven entre acontecimientos que pasaron, o podrían pasar, pero que  están compartiendo un mismo espacio y momento. En ellas se plantea la visión del artista del fin del mundo, con ideas de las posibles causas, las luchas y las reconciliaciones que eso podría implicar. 

 “El fin del mundo es una idea atractiva por como la entendemos. Puede significar el fin de la humanidad o el agotamiento de recursos, una catástrofe climática o el día que el Sol se trague la Tierra. Existen modelos científicos que explican todo eso y lo proyectan por años en el futuro. Me gustaría pensar en qué otras formas puede tener el mundo luego de que dejemos de existir, si nos vamos a adaptar, de qué maneras vamos a ir desapareciendo, qué formas de vida tomarían nuestro lugar y cómo podrían aprender de nuestros errores”, detalló el artista José Rosales. Este proyecto recibió el apoyo del Fondo Concursable 2022, destinados para el uso de la Pila de la Melaza.

 Santa Luchona: La patrona de las que luchamos en las calles:

Sala 1.1  / 20 de octubre al 26 de noviembre del 2022. Curada por Erika Martin.

 La muestra es un proyecto de investigación y acción que surge como resultado de la participación del Colectivo Las Hartas en Ritual 0.02, residencia de producción artística, gestionada por satis.FACTORY y curada por Erika Martin. Acompañadas por Martin, Las Hartas han elaborado el mito y el culto de una “alter santa”, pagana y popular, patrona de las luchas feministas y defensora ante el patriarcado.

 “Nuestra intención es convertir la Sala 1.1 en un espacio ceremonial, que invita al público a ser parte de la experiencia devota de La Santa Luchona, tanto en las diferentes activaciones-rituales-participaciones, como en la procesión que se llevará a cabo como una acción colectiva que inicia en el MADC y finaliza en la Plaza de la Democracia al culminar la marcha del 25-N (Día Internacional de la Eliminación de la Violencia Contra la Mujer). La exposición está conformada por cuatro exvotos, un responsorio y una instalación/altar de La Santa, que consiste en: una alfombra de aserrín y unas andas que alberga la figura de la santa”,  explicó Erika Martin, curadora de la exposición. Este proyecto recibió el apoyo del Fondo Concursable 2022 en la rama de curaduría para el espacio de la Sala 1.1. 

 El evento de apertura 

El día de la apertura, 20 de octubre del año en curso, el MADC estará abierto de 5:00 pm a 8:30

pm. El acto protocolario de inauguración iniciará a las 6:00 pm, la entrada será gratuita y abierta

a todo público; no se necesita reservación previa. Asimismo, permanece abierta en el Museo la

exposición ¿Quiénes rompen las piñatas? (hasta el 11 de febrero).

 

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Hasta hasta el 29 de enero - Exposición de arte que muestra las vivencias de los pacientes con Alzheimer presentará sus obras en la capital del país 
Jan
29
5:00 PM17:00

Hasta hasta el 29 de enero - Exposición de arte que muestra las vivencias de los pacientes con Alzheimer presentará sus obras en la capital del país 

  • Pretende hacer conciencia en la población sobre una realidad que afecta en el país a más de 35,000 personas y sus familias.

La Galería Nacional del Museo de los Niños será la sede de la exposición “Alzheimer The hidden memories” del artista Heriberto Gomes, que consta de más de 40 obras y que nació –según comenta el artista- luego de participar en una exhibición en Milán Italia en el 2020 y ver como una de sus obras basada justamente en esta enfermedad llamó poderosamente la atención del público. Su increíble aceptación en el Museo Municipal de Cartago, con más de 4500 visitas, llamó la atención de la Galería Nacional, quien quiso darle más alcance, llegando a las personas del Gran Área Metropolitana. 

Para poder crear esta exposición, Gomez ha tenido que estudiar más de un año todo lo relacionado con la enfermedad y lo que viven los pacientes, apoyado por expertos en Neurología, asociaciones que trabajan con pacientes y sus cuidadores y con familias que tienen un integrante con Alzheimer.

“Hay muchos testimonios que me han impactado gracias a mi exposición. Recuerdo una muchacha que me llamo y me dijo que ella gracias a la exposición ahora entendía mucho más a su mamá, quien habían sido diagnosticada hace un par de años y ahora podría apoyarla mejor.” manifestó el artista venezolano-portugués radicado en Costa Rica desde hace 14 años.

Este evento cuenta con el apoyo de la Cámara Costarricense de la Salud, que reconoce el esfuerzo que hace el artista y su exposición para crear conciencia en la población acerca de un padecimiento que afecta a más de 35,000 personas y sus familias en Costa Rica. 

“Como representante del sector salud siempre aplaudimos y apoyamos todas aquellas iniciativas que tengan como objetivo sensibilizar y educar a la población sobre el impacto de las diferentes enfermedades que aquejan a muchas personas. Es una manera de apoyar a través del arte a tantas familias con personas que padecen el Alzheimer.”, manifestó Massimo Manzi, Director Ejecutivo de la Cámara Costarricense de la Salud.

En todo el mundo, más de 45 millones de personas padecen Alzheimer u otras formas de demencia. Pero, esta es una dolorosa situación que no solo viven los pacientes, sino también sus cuidadores que enfrentan además el desgaste emocional, de salud y económico asociado.

Las proyecciones, advierten que el número de afectados por demencia superará los 130 millones en 2050, según el informe mundial de 2015 de Alzheimer’s Disease International. En nuestro, país, de acuerdo con el Ministerio de Salud, hay 35,000 personas con esta enfermedad. 

Exposición abierta al púbico

“Alzheimer The hidden memories” abrirá sus puertas a todo público de manera gratuita desde el 10 de diciembre de 2022 y hasta el 29 de enero de 2023, con horario de martes a domingo de 9 a.m. y hasta las 4 p.m, en la Galería Nacional del Museo de los Niños. 

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Hasta el 21 de enero - Ticas participan en destacada exposición “El Corazón Aúlla” en Nueva York denunciando feminicidios en Latinoamérica
Jan
21
5:00 PM17:00

Hasta el 21 de enero - Ticas participan en destacada exposición “El Corazón Aúlla” en Nueva York denunciando feminicidios en Latinoamérica

  • La exposición agrupa el trabajo de performance artistas mujeres y personas no binarias en torno a los feminicidios en Latinoamérica

  • Las artistas costarricenses Rossella Matamoros Jiménez y Flavia Marcus Bien, junto a la curadora Tatiana Muñoz Brenes, son parte de esta propuesta feminista ganadora de la Convocatoria Curatorial Inaugural de prestigiosa fundación estadounidense para las artes.

Este jueves 29 de setiembre a las 6pm inaugura en Nueva York la exposición “El Corazón Aúlla: Performance Feminista Latinoamericano en Revuelta” que incluye a las artistas costarricenses Rossella Matamoros Jiménez y Flavia Marcus Bien. 

Curada por Tatiana Muñoz-Brenes (también costarricense) y Alexis Heller, la exposición además incluye obras de destacadas artistas latinoamericanas de distintos países: Nayla Altamirano y Elina Chauvet (México), Denise E. Reyes Amaya (El Salvador), Cristina Flores y Wynnie Mynerva (Perú), Regina José Galindo (Guatemala), Fernanda Laguna junto a Cecilia Palmeiro (Argentina), Luiza Prado de O. Martins, Bárbara Milano y Berna Reale (Brasil), y Jazmín Ra (Chile).

La exhibición internacional y transgeneracional examina la violencia de género en América Latina a través de los ojos de artistas y activistas que llevan esta carga diaria. Las artistas mujeres y no binarias que se incluyen en “El Corazón Aúlla” aprovechan sus prácticas para la rebelión a través del performance, que es una herramienta particularmente poderosa para confrontar la ausencia brutal y la pérdida. A través de esta disciplina artística, ellas y elles evocan la rabia, el miedo, el duelo ritualizado y el cuido por parte de la comunidad feminista que habita esta lucha por la supervivencia.

A punto de ser inaugurada con mucho entusiasmo y compromiso social en la ciudad de Nueva York, esta exposición fue una propuesta realizada en conjunto por la curadora tica Tatiana Muñoz Brenes y la curadora estadounidense residente en Costa Rica, Alexis Heller, a partir de cuestionamientos y preocupaciones del contexto Latinoamericano. Esta propuesta se exhibe en el marco de haber sido ganadora de la primera convocatoria curatorial que la fundación Shelly y Donald Rubin realizó este 2022, que, de hecho, es la primera vez que realizan una convocatoria para recibir propuestas expositivas internacionales, lo cual es un gran reconocimiento para esta iniciativa nacida en territorio nacional.

Como mencionan las curadoras: “Estos performances, sus decisiones estéticas y sus contextos particulares responden a preguntas que otros medios artísticos no pueden responder, o son incapaces de establecer una alianza con el espectadore en la búsqueda de la justicia social”. Continúan, “la violencia de género, alcanzando sus picos más altos en el feminicidio y la violencia estatal, es un tema que necesita ser aullado cuando gritar no es suficiente, y que debe pasar por una corporalidad política y por los afectos, cuando el sentido común falla y no trae el cambio”.

La exposición puede ser visitada en The 8th Floor, galería de la prestigiosa Fundación Shelly y Donald Rubin, ubicada en el 8vo piso del Museo de Arte Rubin, desde este 29 de setiembre y hasta el 21 de enero 2023. Asimismo, como parte de las actividades, este 1 de octubre a las 2:30pm se presenta la performance Trans-cimiento de la tica Flavia Marcus Bien, que completa una trilogía de performances que progresan a través de representaciones de la muerte, el entierro y el renacimiento de una persona trans, seguida de un conversatorio con la curadora Tatiana Muñoz Brenes a las 5pm.


Más sobre las artistas costarricenses y las curadoras

Flavia Marcus Bien es una artista multidisciplinar que combina canto, actuación y performance. A partir de 2017 inicia su exploración performativa relacionada con temas de género. Flavia utiliza su cuerpo como lienzo, integrando con frecuencia elementos tecnológicos y vestuario transgresor. Retrata personajes para hacer crítica social, medioambiental y de género. Sus experiencias como persona LGBTQIA+, latina y multicultural dictan su trabajo. Desarrolla su trabajo en un universo de realismo mágico poscapitalista, desde donde explora el canto, la moda, la creación escénica, el videoarte y la performance.

Rossella Matamoros incorpora pintura, dibujo, escultura, instalación, escenografía, dramaturgia de vestimenta, performance y video en su trabajo. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Costa Rica y obtuvo una Maestría en Bellas Artes de la Universidad George Washington en Washington D.C. Rossella es una artista plástica y performativa que induce al espectador hacia el misticismo y la introspección. Ella también usa el movimiento del cuerpo; sobre todo cuando el estado mental y emocional del cuerpo se traduce en diferentes formas de aplicar la pintura y el pigmento. La obra de Matamoros se caracteriza por ser el resultado de una práctica corporal, una reflexión emocional y un estado de apreciación.

Tatiana Muñoz Brenes es curadora de arte e investigadora, especializada en museos LGBTIQA+ y arte queer por su trabajo con el Museo de la Identidad y el Orgullo (MIO). Es graduada de las carreras de Historia del Arte y Psicología de la Universidad de Costa Rica, en la cual se desempeña como docente. Como curadora independiente, su formación también le ha permitido trabajar en los temas de museos comunitarios, sustentabilidad, investigación de colecciones, curaduría de exposiciones y acompañamiento curatorial de producción artística.

Alexis Heller recibió un BA en Psicología de la Universidad Wesleyan y una maestría en Trabajo Social de la Universidad de Columbia. Comenzó una práctica curatorial independiente en 2012 centrada en historias marginadas LGBTQIA+ y feministas. Heller ha organizado una serie de exposiciones en el Museo de Arte Leslie-Lohman de Nueva York, Smack Mellon en Brooklyn, así como varios espacios de arte alternativo. Actualmente vive entre Nueva York y Costa Rica.


Más sobre el Museo y la Fundación Shelly y Donald Rubin

La prestigiosa Fundación Shelley & Donald Rubin es una fundación neoyorquina enfocada en las artes, justicia social y civismo. Establecida desde 1995 en el centro de Manhattan, trabaja sus programas a través del Museo de Arte Rubin y su galería The 8th Floor a través de los cuales ejecutan proyectos artísticos y otorgan becas dirigidas a visibilizar prácticas artísticas poco reconocidas, promover arte al servicio de los cambios y la justicia sociales, y aportar a que el arte llegue a audiencias mayores. 

Importantes proyectos artísticos y culturales de alcance internacional se financian con las becas y ayudas de esta fundación, entre ellos el Museo del Barrio, el Museo de Queens y el Museo del Bronx. https://www.sdrubin.org/ 

Más sobre The 8th Floor

The 8th Floor es un espacio independiente de exposición y eventos establecido en 2010 por Shelley y Donald Rubin para promover iniciativas artísticas y culturales. Inspirada en la Fundación Shelley & Donald Rubin, la galería se compromete a ampliar el acceso y la disponibilidad del arte para el público de Nueva York. Buscando un mayor intercambio cultural, The 8th Floor explora el potencial del arte como instrumento para el cambio social en el siglo XXI, a través de un programa anual de innovadoras exhibiciones de arte contemporáneo y un programa de eventos compuesto por performances, debates estilo salón y otros organizados por socios externos. https://www.the8thfloor.org/ 

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Exposición de arte “Contacto Natural”
Jan
16
4:30 PM16:30

Exposición de arte “Contacto Natural”

Ubicación: Hotel Radisson San José, Barrio Turnón

Fechas: del 17 de noviembre 2022 al 16 de enero 2023

Horario: de lunes a domingo de 8:00am a 5:00pm

Entrada gratuita

Artistas participantes: Oscar Abarca Jiménez, Carlos García, Gilberto Ramírez

Temática: pintura figurativa sobre paisaje, figura humana y bodegones

Para más información seguir las redes sociales de Radisson San José y Lapislázuli comunicación

https://www.facebook.com/RadissonSanJose

https://www.facebook.com/lapislazulicomunica

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Nueva exposición de la artista Marcia Madrigal Guardia se presenta en el Museo Rafael Ángel Calderón Guardia
Jan
1
11:00 AM11:00

Nueva exposición de la artista Marcia Madrigal Guardia se presenta en el Museo Rafael Ángel Calderón Guardia

  • Artista explora grandes temas universales como los mecanismos de la soledad, la condición humana, la pérdida y la memoria.

  • La exposición presenta más de una treintena de obras en pintura sobre lienzo y varias instalaciones realizadas desde la pandemia.

El pasado 1 de diciembre inauguró la exposición “El tiempo suspendido” de la artista costarricense Marcia Madrigal Guardia, en el Museo Rafael Ángel Calderón Guardia, donde se muestra más de una treintena de obras en pintura sobre lienzo y varias instalaciones realizadas desde la pandemia en las que se exploran grandes temas universales como los mecanismos de la soledad, la condición humana, la pérdida y la memoria.

En la exposición, la artista utiliza varios elementos recurrentes en su obra -nubes, sillas, estructuras lineales- que no cuentan historias, sino que están más allá también de los límites del individuo y libres de todo racionalismo, de todo control del pensamiento, plasmando así un universo compuesto por espacios que rechazan y retan los límites de la lógica.

Visualizo las emociones y sensaciones, que son intangibles, que no se pueden ver, y les doy forma estética. Con esto, quiero facilitar a las personas aquello que no pueden expresar por ellos mismos, porque sé que en el fondo todos tenemos los mismos miedos, añoranzas y sentimientos. Para mí, es una necesidad básica hacerlo”, aseguró la artista.

Los lugares, atmósferas y objetos que representa Marcia Madrigal en sus obras son elementos simbólicos. Sus pinturas son paisajes oníricos que expresan -poéticamente- diversos estados de la experiencia subjetiva”, expresó Luis Rafael Núñez, director del Museo.

Su vocabulario artístico singular y en apariencia enigmático, hace una relectura audaz de los mecanismos fundacionales del surrealismo. Pero a partir de esta relectura, Madrigal produce una obra lúcida, de toda sobriedad, donde los elementos simbólicos contenidos en la imagen son portadores de nuevos sentidos” menciona Sofía Soto-Maffioli, exdirectora del Museo de Arte Costarricense.

La muestra estará abierta de martes a domingo, de 9 a.m. a 5 p.m. hasta el 1 de enero del 2023. La entrada es gratuita.



Más sobre la artista

Marcia Madrigal Guardia (San José, 1969) es una artista costarricense conocida por su trabajo en pintura abordando temáticas relacionadas a la soledad y el existencialismo.

Inicia en las artes desde la infancia a través de los talleres de las artistas Cristina Fournier, Xenia Gordienko y Floria Herrero, y la influencia de sus padres la historiadora del arte María Enriqueta Guardia y el politólogo Rodrigo Madrigal Montealegre, reconocidos costarricenses.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica y en la Escuela Pro-Diseño en Caracas Venezuela. Residió por 3 años en Buenos Aires en donde se relacionó también con el mundo cultural. Al regreso a Costa Rica se dedicó a artes gráficas y enseñanza de artes aplicadas en niños. A su vez retomó la pintura y en los últimos cinco años se dedica completamente de manera profesional a ella.

Ha expuesto en el Museo Rafael Ángel Calderón Guardia, el Centro Cultural Costarricense-Norteamericano, el Instituto Cultural de México en Costa Rica, el Museo Regional de San Ramón, el Museo Municipal de Cartago, entre otros espacios culturales, como la CROMA Bienal y el I Certamen de Arte de Cazadoras y Recolectores.

https://www.marciamadrigalguardia.art/ 

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Hasta 4 de diciembre - Nicoya Zona Azul llega al Museo Nacional 
Dec
4
7:00 PM19:00

Hasta 4 de diciembre - Nicoya Zona Azul llega al Museo Nacional 

  • naturÁnima de las artistas Ariane Garnier y Carma Casulá expone las singularidades de los paisajes y las gentes de la zona azul en la península de Nicoya.

  • Muestra incluye 12 obras que combinan los lenguajes de la fotografía, la instalación y la multimedia.

  • Estará abierta al público del 12 de agosto al 4 de diciembre de 2022 en la Sala Temporales Sur.

La mañana de este viernes 12 de agosto, se inauguró en el Museo Nacional de Costa Rica la exposición temporal naturÁnima, de Ariane Garnier y Carma Casulá, un proyecto de investigación y creación artística interdisciplinaria que muestra las particularidades de la zona azul de la península de Nicoya, su paisaje y su gente, entre la que sobresalen varias de las personas más longevas del país y del planeta, que superan los cien años de edad.  

La actividad contó con la presencia de la ministra de Cultura y Juventud, Nayuribe Guadamuz Rosales, la directora del Museo Nacional, Ifigenia Quintanilla Jiménez, las artistas y, como invitados especiales, cuatro de los adultos mayores más longevos de la península de Nicoya, con edades entre los 100 y 105 años y que figuran como protagonistas en algunas de las obras de la exhibición.  

 Nayuribe Guadamuz, ministra de Cultura y Juventud, expresó que “las zonas azules se identifican como regiones que destacan por la buena salud física y mental de sus habitantes, por una tradición alimentaria saludable, donde las personas se trasladan caminando, más que en carro, tienen una dieta que incluye granos como el maíz, tan presente en nuestra Península de Nicoya. Es por ello que resulta un orgullo saber que en el país contamos con zonas azules en esta región, específicamente en los cantones de Hojancha, Nandayure, Carrillo, Santa Cruz y Nicoya, donde además el resguardo de las tradiciones es una constante, por lo cual, celebramos esta exposición y soñamos con que la calidad de vida de las personas longevas de estas zonas del país, pueda ser replicada en todo el territorio nacional e incluso más allá de nuestras fronteras”. 

  Por su parte, la directora del Museo Nacional, Ifigenia Quintanilla comentó que los museos son espacios sin tiempo, que custodian objetos del pasado, pero están vinculados al presente; y reflexionó, al ver a los adultos mayores invitados como representantes de la historia, sobre la vida y las relaciones de cuido en las familias, la alimentación y las costumbres de un lugar como Guanacaste. Y en ese sentido, que el Museo Nacional también representa la vida y es punto de encuentro de diferentes generaciones.  

 Participaron también en la actividad miembros de la comunidad de Punta Islita, en la interpretación de la marimba como acto cultural a cargo de dos niños de tradición familiar marimbera, y con una exposición de productos gastronómicos y artesanías que son reflejo de la identidad de la zona, a cargo de un colectivo organizado por el Museo Punta Islita.  

 

El Proyecto

  NaturÁnima es resultado de las relaciones de amistad de las artistas Ariane Garnier y Carma Casulá y el interés común en los temas sobre el medio ambiente y las personas, que despertó en ambas la curiosidad por entender los motivos de una zona azul en Costa Rica. 

“Vivir Nicoya desde adentro fue un aprendizaje enorme y quedo con un profundo sentimiento de agradecimiento por la experiencia, por la apertura de mirada y el nuevo cuestionamiento que despertó en mí de cómo vamos a cuidar la naturaleza y este paisaje con el que somos una unidad” comentó Ariane Garnier sobre el proceso de investigación realizado, para el que vivieron durante siete semanas, de octubre a diciembre del 2021, en Nicoya. Esto les permitió tener contacto con alrededor de 15 familias y vincularse directamente en lo cotidiano, en sus rutinas de trabajo y en el hogar, para conocerlos a fondo, al igual que al paisaje; así como realizar un trabajo exhaustivo en fotografía y la grabación de entrevistas. 

Ariane resume su experiencia en los siguientes aprendizajes: El manejo del “no tiempo”: siempre hay tiempo para compartir y conversar. El acompañamiento de la familia: entre todos se cuidan y se quieren, lo cual es muy importante para el adulto mayor. El quehacer: todos tienen una función, todos ayudan, aun haciendo cosas sencillas, todos son útiles. Y finalmente, que las personas pertenecen a la naturaleza, no es que la naturaleza nos pertenece, sino que somos una unidad con ella.  

Por su parte, Carma Casulá al referirse a su propuesta explica: “me he centrado más en el territorio y la transformación del paisaje y la capacidad de regeneración a través de buenas políticas y buenas acciones, sobre todo de la ciudadanía, de los pobladores.”  

La relación con las personas fue vital para Carma. Ella se enfocó en recopilar los relatos y vivencias, por lo que en sus obras hay retratos y entrevistas de las que se podrán escuchar algunos extractos en audio. También hay paisajes que muestran cómo las personas han transformado positivamente el bosque en el que viven, lo que ha permitido la regeneración de la naturaleza. 

La muestra 

El visitante es recibido por la obra Constelacciones, de Carma Casulá, que muestra visualmente los recorridos hechos por las artistas en la zona azul de Nicoya. La obra presenta una relación de los recorridos con la geografía, sobre un mapa de la zona y la carta astral del 1 de noviembre de 2021, día que iniciaron el proyecto, que se mezclan con dibujos de las huellas de los cangrejos en la playa.  

En el salón a la derecha, Ariane Garnier presenta seis obras: 

  1. Paisaje interior. Son fotografías sublimadas sobre tela chifón e intervenidas con bordados de trozos de la misma tela, que representa los estados de ánimo de las personas.

  2. Somos. Instalación integrada por 30 piezas de barro y semillas recolectadas, unidas con hilo de alpaca. La acompaña sonidos del mercado en Santa Cruz.

  3. Estancia. Representa el no tiempo, el vivir el momento presente y el disfrute de los sentidos. Son dos mecedoras fabricadas en Hojancha que descansan sobre piedras blancas, en alusión a las casas guanacastecas.

  4. Colmena. Transferencia de fotografías intervenidas con pintura y fragmentos de panal de abejas. Busca simbolizar las experiencias vividas.

  5. Frágil. Instalación de 12 fotografías impresas sobre acrílico con detalles del paisaje y de semillas provenientes de la zona azul en Costa Rica.

  6. Tejido en tensión. Instalación de esferas de cedazo de gallinero y cable de alta tensión; en su interior contienen semillas y basura recogida en la zona. Es una reflexión de la contaminación que llega al mar desde San José.

 

En el salón, al lado izquierdo, la artista Carma Casulá presenta cinco obras: 

 

  1. Una por una. Sintentiza la relación de la biomasa y la deforestación en Costa Rica, la tala de una hectárea de bosque por cada cabeza de res para explotación ganadera.

  2. Paisaje continúo. Busca crear un corredor biológico a través de la fotografía, al mostrar potreros, bosques secundarios, parte de selva gracias a la regeneración y las playas.

  3. Presencias. Es una cartografía sonora, “un bosque” de rollos de papel que representa a las personas, con relatos de los nicoyanos sobre el bosque y su entorno.

  4. Galería familiar. Es una serie de fotografías de espacios internos de las casas, el entorno y los retratos de los protagonistas de la muestra.

  5. Comer bosque. Es una representación de las caminatas y conversaciones de la artista con los nicoyanos en el bosque, para conocer sobre los productos que ahí encuentran, como plantas medicinales y comida.

 

Las artistas 

  Ariane Garnier  

Nacida en San José, es licenciada en Bellas Artes con énfasis en Pintura por la Universidad de Costa Rica. Ha realizado casi una decena de exhibiciones individuales y ha participado en múltiples exposiciones colectivas en países como Estados Unidos, México, El Salvador, Honduras, Argentina, Venezuela, Uruguay, España y Francia. Ha recibido varios premios y reconocimientos, y entre los más recientes: Mención de Honor en bienal de arte y diseño textil, Montevideo, Uruguay. En 2017 fue seleccionada en el Salón Nacional de Artes Visuales, Museo de Arte Costarricense, San José, Costa Rica. 

 

Carma Casulá 

Nacida en Barcelona es artista visual y fotógrafa free-lance, doctora Cum Laude en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, con estudios Superiores de Fotografía en Istituto Europeo di Design / IED di Milano (IT). Amplía sus conocimientos en el International Center of Photography / ICP de New York (U.S.A.). Compagina sus proyectos artísticos sobre la transformación y antropización del territorio, el paisaje y la huella de este sobre el individuo con proyectos de fotodocumentalismo. 

Ha participa en una gran cantidad de proyectos culturales y exposiciones con fotografía e instalación en museos e instituciones en diversos países como España, Francia, Rusia, Alemania, Italia, Dinamarca, Holanda, Albania y Costa Rica.  

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Hasta el 4 de diciembre - Exposición “Emancipadas y Emancipadoras, Las Mujeres en la Independencia de Centroamérica”
Dec
4
2:30 PM14:30

Hasta el 4 de diciembre - Exposición “Emancipadas y Emancipadoras, Las Mujeres en la Independencia de Centroamérica”

Fruto de una invitación abierta lanzada en 2021 por el Centro Cultural de España en colaboración con Casa Ma y el Museo de las Mujeres de Costa Rica; el Circuito de Prácticas Artísticas Feministas reúne a veinte instituciones bajo un objetivo común: desarrollar una potente agenda cultural que reflexiona sobre la necesidad de establecer nuevos modelos de creación desde una mirada feminista y visibiliza el trabajo de las mujeres artistas en nuestra región.

Así, a lo largo de los próximos meses, para finalizar en el marco del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres (25N), se pondrán en marcha una amplia gama de actividades –exposiciones, talleres, conversatorios, teatro, entre otras–, recogiendo discursos diferentes, narraciones inclusivas de diversas procedencias y múltiples sensibilidades históricas, a partir de propuestas de más de 35 artistas cogestionadas por más de 10 gestoras culturales y curadoras

Dentro de estas actividades y durante el mes patrio, el Centro Cultural de España inaugura este viernes 23 de setiembre Emancipadas y Emancipadoras: Las Mujeres en la Independencia de Centroamérica, una exposición itinerante producida por los Centros Culturales de España en Guatemala, Honduras, Costa Rica, Panamá y El Salvador.

Bajo la curadoría de la guatemalteca Maya Juracán, Emancipadas y Emancipadoras surge como una acercamiento desde el arte a las figuras de seis mujeres que participaron activamente en la independencia de las repúblicas centroamericanas y que han sido invisibilizadas hasta ahora en los relatos oficiales: Francisca Carrasco Jiménez (Costa Rica), Felipa Tzoc (Guatemala), María Feliciana de los Ángeles Miranda (El Salvador), Visitación Padilla (Honduras), Josefa Chamorro (Nicaragua), y Rufina Alfaro (Panamá). 

De entre las artistas participantes de la muestra, cabe destacar la participación del colectivo costarricense Panchas Hartas, conformado por Micaela Canales Barquero, Andrea Gómez Jiménez, Grettel Méndez Ramírez y Mariela Richmond Vargas; esta última Premio Nacional de Costa Rica en Teatro por Mejor Escenografía en 2013. Participan también Melissa Guevara (El Salvador), Gabriela Novoa (El Salvador), Mary Morales (Honduras), Milena García (Nicaragua), Momo Magallón (Panamá) y Lucía Ixchíu (Guatemala). 

Más sobre el Circuito de Prácticas Artísticas Feministas

El Circuito de Prácticas Artísticas Feministas es un proyecto co-dirigido y co-curado por Ricardo Ramón Jarne y Iris Lam Chen desde el CCE Costa Rica y Susana Sánchez Carballo desde Casa MA y el Museo de las Mujeres. 

Participan de este Circuito entidades públicas, privadas, académicas e independientes: Cátedra Amighetti | Centro de Investigación en Ciencias Atómicas, Nucleares y Moleculares (CICANUM) | Gráfica Génesis | Grupo Metamorfosis | IIArte | LL Proyectos (HON) | Museo Regional de San Ramón | ¡Queremos Pintar! | Red de Centros Culturales de España en Guatemala, Honduras, Panamá y El Salvador | _Temporal | Teorética | Universidad de Costa Rica | Vicerrectoría de Acción Social | Voces Fieras.

El Circuito de Prácticas Artísticas Feministas se celebra en el marco del 30 Aniversario del Centro Cultural de España.

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Hasta el 30 de noviembre - Exhibición Memorias del Rock Fest llega a la Botica Solera
Nov
30
4:00 PM16:00

Hasta el 30 de noviembre - Exhibición Memorias del Rock Fest llega a la Botica Solera

  • Abierta al público general de forma gratuita de lunes a viernes de 9:00 am a 4:00 pm.

  • Esta exposición contiene la memoria en imágenes del Rock Fest en su 25 aniversario y consiste en una selección de 41 fotografías.

A partir del 2 y hasta el 30 de noviembre estará abierta de forma gratuita una exhibición fotográfica dedicada al Rock Nacional en el histórico edificio de la Botica Solera en Barrio Amón. La exposición está disponible al público general de lunes a viernes de 9:00 am a 4:00 pm.

Esta exposición contiene la memoria en imágenes del Rock Fest en su 25 aniversario y consiste en una selección de 41 fotografías producidas con el apoyo de Epson, en las cuales se comparten no solo las interacciones entre el público y las y los artistas como protagonistas. También son protagonistas los espacios y la lluvia. Además, comparte momentos íntimos y cercanos, una mirada que invita a sentir la colectividad, la calidez y la pasión por el género musical.

“Parte del propósito del colectivo, que es Rock Fest, es preservar la memoria de la música costarricense en general y del rock en particular. Esta colección de imágenes logra eso desde el extraordinario ojo que solo el fotógrafo tiene”, comentó Ernesto Adduci, Fundador del Rock Fest.

Las imágenes que se exhibirán fueron capturadas por Pablo Cambronero, fotógrafo documentalista que tuvo la tarea de registrar lo sucedido durante la última edición del Rock Fest. Pablo también ha estado presente en las ediciones anteriores de este festival.

El Rock Fest es el colectivo del rock original costarricense y se ha convertido en uno de los escenarios más importantes para la música original y nacional. Este ha sido el festival de música costarricense más grande que se haya realizado en el país hasta el momento y es un espacio donde los artistas ticos se reúnen y comparten sus creaciones. Hasta el momento se han actuado nueve ediciones y la última fue el Rock Fest 25 en mayo de este año. 

“Para mí la exposición es una oportunidad de reconectar con un movimiento, pasando por la nostalgia y la rebeldía de otros tiempos, pero poniendo especial atención a las nuevas voces, todo en medio de un país en crisis cultural” señaló Pablo Cambronero.

Pablo es un fotógrafo documental costarricense, con un currículum extenso que incluye trabajos para WWF, UNICEF, ACNUR, Papaya Music de Centroamérica, exposiciones individuales y colectivas, así como dirección de fotografía para diversos audiovisuales. 

“Desde Epson extendemos nuestra invitación a todos los amantes del rock y del talento nacional a visitar la exhibición en la que tuvimos el honor de reproducir por medio impresiones de alta calidad estas imágenes que permiten profundizar sobre el legado del rock nacional. Una vez más, Epson apoya y promueve el talento artístico nacional e invita a todos a disfrutar de la excelente música que hay en nuestro país” comentó José Brenes, gerente regional de mercadeo de Epson NOLA.

Los artistas que participaron en el Rock Fest 2022 fueron: Gandhi, 50 Al Norte, Adaptados, Adrenal, Akasha, Baula Project, Billy The Kid, Deznuke, El Guato, El Parque, Endemia, Inconsciente Colectivo, Bufonic Insano, Kadeho, La Versión Extendida De Las Cosas, Ladrona, Los Waldners, Mekatelyu, Mimayato, Movement In Codes, Nakury & Barzo, Pazword, Pedro Capmany Y Café Con Leche, The Great Wilderness, Tropa 56, Xpunkha, Mentados, Nou Red, Santos Y Zurdo, Rebelde Groove (Henry D’arias)

La exhibición fue impresa por JBP Reyma con tecnología Epson. Rafael Ocampo Ramirez, gerente de la empresa, comento que “ha sido un honor apoyar una exposición que visibiliza el talento artístico que existe en este país, tanto a nivel musical como a nivel fotográfico. Nuestro deseo es que más espacios como la Botica Solera, tan relevantes para la cultura, sigan activando y reuniendo exposiciones, artistas y obras que reflejan un país deseoso de crear”.

 Acerca del Rock Fest

El Rock Fest es el colectivo del rock original costarricense y se ha convertido en uno de los escenarios más importantes para la música original, un espacio donde los artistas ticos se reúnen y comparten sus creaciones. Hasta el momento se han realizado nueve ediciones, la última fue el Rock Fest 25 en mayo de este año. Este ha sido el festival de música costarricense más grande que se haya ejecutado en el país hasta el momento.

EPSON es una marca registrada y EPSON Exceed Your Vision es un logotipo registrado de Seiko Epson Corporation. Los demás nombres comerciales son marcas y/o marcas registradas de sus respectivas empresas. Epson renuncia a todos los derechos sobre esas marcas. Copyright 2022 Epson America, Inc. 


Acerca de Epson

Epson es líder mundial en tecnología con una filosofía de innovación eficiente, compacta y precisa que enriquece vidas y ayuda a crear un mundo mejor. La empresa tiene como objetivo solucionar los problemas de la sociedad mediante innovaciones en el ámbito de la impresión para el hogar y la oficina, la impresión comercial e industrial, la fabricación, la comunicación visual y el estilo de vida. Epson se convertirá en carbono negativo y eliminará el uso de recursos agotables del subsuelo tales como el aceite y el metal para el año 2050.

Liderada por Seiko Epson Corporation con sede en Japón, el Grupo Epson genera, a nivel mundial, ventas anuales con un valor superior a JPY 1 trillion. global.epson.com/

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30 noviembre - PENSAR LA PRÁCTICA
Nov
30
11:30 AM11:30

30 noviembre - PENSAR LA PRÁCTICA

Encuentro de publicaciones

Fechas 29 octubre - 30 noviembre, 2022
Lugar: Lado V, TEOR/éTica

Como cierre del 2022, TEOR/éTica presenta una serie de proyectos editoriales que exploran procesos de gestión cultural y su relación con las prácticas artísticas y educativas. A través de estos materiales es posible hacer un recorrido crítico por temas centrales al quehacer artístico en nuestros contextos, tales como las economías solidarias, la gestión experimental en espacios independientes, la activación de la colectividad, y los diálogos entre el arte y la educación.

VER PROGRAMA COMPLETO AQUÍ

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X Bienal Internacional de arte textil contemporáneo WTA
Nov
27
11:00 AM11:00

X Bienal Internacional de arte textil contemporáneo WTA

  • La Galería Nacional presenta al público una exposición gestionada por el Énfasis en Textiles de la Escuela de Arte y Comunicación Visual de la Universidad Nacional de Costa Rica.

La X Bienal de arte textil contemporáneo es la nueva exposición que la Galería Nacional del Centro Costarricense de Ciencia y Cultura (CCCC) presenta al público gracias a la sinergia y trabajo gestionado por el Énfasis en Textiles de la Escuela de Arte y Comunicación Visual de la Universidad Nacional en Costa Rica.

 La Universidad Nacional, el Decanato del CIDEA y la Escuela de Arte y Comunicación Visual, EACV, presentan la X Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo – WTA - 2022, de la World Textile Art Organization, que se realizará en su Sub sede - Costa Rica en los meses de octubre y noviembre.

 En esta ocasión, la Bienal se reinventa conmemorando el 25 aniversario de la WTA con la exhibición “25 artistas WTA”, de forma simultánea, en cada uno de los países que han sido sede de la Bienal. La sede principal será la ciudad de Miami-Florida y como subsedes: Caracas- Venezuela, San José - Costa Rica, Buenos Aires - Argentina, México D.F. y Xalapa–México, Montevideo–Uruguay, Madrid–España, Santiago de Chile–Chile y como Invitado especial a Colombia. Otros países amigos organizarán otras exhibiciones conmemorativas en países como Korea, Italia, India, Turquía y Brasil.

 La muestra se inserta en un ciclo de exposiciones con más de 30 artistas costarricenses con 22 obras de gran formato, 10 obras medianas y 4 obras pequeñas de artes visuales tales como obras bidimensionales, esculturas e instalaciones construidas con diversos materiales. Las obras artísticas incorporan fibras propias de cultivos de nuestro país como la cabuya, el algodón y el abacá y la experimentación con nuevos materiales que ofrecen otras posibilidades técnicas y expresivas como tierra, madera, bambú, cabello humano y piedras, transformados en obras matéricas con gran poder sugestivo.

 “Para la Galería Nacional es un placer ser sede de la “X Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA 2022”. La variedad de exposiciones muestra el talento y dedicación de cada uno de los artistas, las cuales pretenden mostrar la calidad y variedad de arte para las personas que visitan la Galería Nacional” comentó Elizabeth Barquero, directora de la Galería Nacional.

 Cabe destacar que la “X Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo WTA” tendrá tres locaciones simultáneas en Costa Rica tales como: Galería Nacional con “X Bienal Internacional de Arte Textil – WTA - Costa Rica”, Fundación Omar Dengo con “25 artistas WTA” y Centro Cultural Herediano Omar Dengo con “Artistas emergentes WTA”

 Constatamos en la mayoría de las obras, la presencia de la tradición e innovación, con la investigación de los métodos y técnicas ancestrales para el procesamiento de las fibras textiles, la incorporación de nuevos materiales en estrecha relación entre arte y diseño en los objetos artísticos, esculturas, instalaciones. Y el producto final, de plasmar sus experiencias sensoriales, sus ideas, preocupaciones y propuestas para construir un mundo mejor.

 Las exposiciones estarán disponibles al público del 12 de octubre al 27 de noviembre en el segundo piso de la Galería Nacional, en un horario de martes a viernes de 8:30 a. m. a 4:30 p. m. Sábados y domingos de 9:00 a. m. a 5:00 p. m.              

 Para más información, el público puede visitar el Facebook de la Galería Nacional CR o enviar un mensaje de WhatsApp al 7003 7070.

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Hasta el 26 de noviembre - Se inaugura “Cimientos”, la primera exposición profesional de artistas con discapacidad
Nov
26
3:00 PM15:00

Hasta el 26 de noviembre - Se inaugura “Cimientos”, la primera exposición profesional de artistas con discapacidad

  • La muestra se llevará a cabo del 1 al 26 de noviembre, en el Museo Dr. Rafael Ángel Calderón Guardia, en Barrio Escalante. 

  • Exposición contempla más de 40 obras plásticas; incluyendo la fotografía, la pintura y el dibujo.

  • Es un evento Esencial Costa Rica, por cumplir con los valores requeridos. 

La exposición “Cimientos”, organizada por el programa La Corazonada Visual, es una iniciativa que marca un antes y después en la participación activa de la población con discapacidad en Costa Rica, siendo la primera exposición profesional de artistas con discapacidad.

La muestra es gratuita y se llevará a cabo del 1 al 26 de noviembre, en el Museo Dr. Rafael Ángel Calderón Guardia, en Barrio Escalante, de lunes a sábado de 9am a 4pm. 

El involucramiento de los cuatro artistas profesionales: Abel Valerio, Augusto Rodríguez, Andrea Mora y Geoffrey González, con distintos tipos de discapacidad, hace de esta muestra un esfuerzo por promover e incentivar la práctica de los derechos culturales, y de reconocer en estos cuatro artistas el potencial estético, creativo y de estilo personal, presente en sus obras plásticas; incluyendo la fotografía, la pintura y el dibujo. 

Desde la Corazonada Visual, creemos en ser un programa de arte para todos, donde los derechos culturales son el principal eje que guía los principios y actuar en la agenda de esta iniciativa que hoy introduce "Cimientos" como un ejercicio que pone sobre la mesa el tema de arte, discapacidad y la cultura como motor de desarrollo”, explicó Ernesto Pérez Ramírez, Curador y Coordinador del programa La Corazonada Visual. 

Ramírez menciona que con esta muestra, que contempla más de 40 obras, pretenden introducir nuevos valores a la plástica nacional, desde una visión distinta y bajo una iniciativa que contempla el planteamiento desde la participación integral, contemplando "Nada sobre nosotros sin nosotros", otorgando la oportunidad de dar pie al diálogo sobre ideas innovadoras, transformadoras y posibilitadoras de una nueva perspectiva. 

Además, “Cimientos” promueve y pone de puesta en valor herramientas como los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la Organización de las Naciones Unidas, siendo los objetivos número 4 "Educación de calidad" y el número 10 "Reducción de las desigualdades", conceptos que apelan directamente a la propuesta que presentan y que promueve y proyecta una visión de una Costa Rica diversa, participativa e integral. 

Esta muestra al cumplir con los valores de Excelencia, Sostenibilidad, Innovación, Progreso Social y Vinculación costarricense, se le ha otorgado la licencia de ser un evento Esencial Costa Rica. 

En el marco de la exposición, se llevarán a cabo distintas actividades que engloban el diálogo entre cultura e inclusión como talleres sensoriales, visitas guiadas con artistas, charlas de formación  y actividades de recreación. 

Facebook: La Corazonada Visual: Arte para todos | Instagram: @lacorazonadavisual

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Hasta el 21 de noviembre - Exposición “Liberia: Arte y Tradición en Cuero” promueve conservación de talabartería tradicional
Nov
21
7:30 PM19:30

Hasta el 21 de noviembre - Exposición “Liberia: Arte y Tradición en Cuero” promueve conservación de talabartería tradicional

  • Muestra itinerante abrió en el Centro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer, en San Ramón, y estará disponible hasta el 21 de noviembre de 2022

La vaina, las polainas, los caites, entre otros artículos de cuero, son los protagonistas de la exposición “Liberia: Arte y Tradición en Cuero”, una muestra itinerante que abrió al público en el Centro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer, en San Ramón.

 Esta exposición resalta los conocimientos del liberiano Inocente Morales Zapata, portador de la tradición de la talabartería, y es resultado de una Becas Taller del 2022, de la Dirección de Gestión Sociocultural, del Ministerio de Cultura y Juventud.

 Los productos elaborados en cuero que conforman la muestra, surgen de la capacitación “Talabartería típica y tradicional”, a cargo de Morales, que se realizó en Liberia, como parte de la Beca Taller, utilizando técnicas tradicionales de este oficio, como una forma de contribuir con la salvaguardia y visibilización de esta manifestación del patrimonio cultural intangible.

 Inocente Morales Zapata es un liberiano con más de 50 años de experiencia en el trabajo de la talabartería. Aprendió este oficio de su padre, Inocente Morales Acevedo, fundador de la talabartería La Estrella.

 Morales Zapata actualmente se dedica a la confección de calzado masculino, femenino y ortopédico, además de productos como sandalias típicas, fajas, caites, billeteras, bolsos, entre otros. “Para mí, la utilización del cuero como material principal de todos los productos es importante porque con ellos no garantizamos la calidad y duración de lo que fabricamos de manera artesanal”, afirmó este portador de tradición, que además agregó que los clientes lo buscan porque reconocen el uso de cuero natural en sus trabajos.

 La tradición de la talabartería, en Liberia, Guanacaste, responde a prácticas y oficios tradicionales de antaño, que se alimentaron en la época de las haciendas ganaderas y ante la gran necesidad de contar con estos insumos de vital importancia para el trabajo de los sabaneros. La muestra, precisamente, permite al visitante acercarse al trabajo de la talabartería tradicional.

 Esta exposición itinerante se presentó en el Museo de Guanacaste, en Liberia; posteriormente, en el Centro Cívico por la Paz, en Santa Cruz, Guanacaste, y ahora, está disponible de martes a sábado, de 8 a.m. a 4 p.m., hasta el 21 de noviembre en el Centro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer, en San Ramón, provincia de Alajuela. La entrada para disfrutar de esta muestra es gratuita.

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Galería Sophia Wanamaker presenta la exposición de arte “Synergias” 
Nov
21
3:30 PM15:30

Galería Sophia Wanamaker presenta la exposición de arte “Synergias” 

  • Artistas plásticos presentarán sus más recientes trabajos del 21 de septiembre al 21 de noviembre de 2022

A partir de este 21 de septiembre, en el Centro Cultural Costarricense Norteamericano, El Grupo debuta con su más reciente trabajo “Synergias” una muestra de artistas plásticos que retratan de forma críticas y diferente sus respectivos entornos y que juntas logran una sinergia, tal y como propone su título. Las obras tienen componentes provocadores y narrativas con distintos enfoques y vivencias. 

La exhibición se llevará a cabo en la Galería Sophia Wanamaker del CCCN, en la sede de San Pedro, siendo esta la última exposición de la galería como se conoce. “Nos emociona participar en la última exposición de la galería tal y como la conocemos, porque próximamente la sede será remodelada. Este espacio significa mucho para el colectivo y nos hace estar plenamente agradecidos”, expresó Rolando Cubero, director de El Grupo. 

En el espacio se podrá apreciar obras de artistas con una trayectoria impecable y promesas jóvenes. Además, será la oportunidad de contar con la participación de artistas que en pandemia tuvieron que frenar su trabajo. 

“La expectativa es enorme. La ilusión de encontrarse con amigos y personas interesadas en este tipo de exhibiciones es otra de las razones por las que esperamos con ansias esta actividad”, indicó Cubero.  

La exposición tiene el propósito de exponer el arte, mostrar los respectivos trabajos y brindar apoyo a las obras del talento nacional. Algunos de los artistas que estarán presentes son: Carmen Borrasé Povedano, Marcia Madrigal Guardia, Mario René Madrigal – Arcia, Mario Rojas Kolomiets, Miguel Hernández Bastos, Philipp Anaskin y Ronaldo Cubero. 

La entrada es abierta al público y estará abierta al público del 21 de septiembre al 21 de noviembre del 2022. 

Para consultas se puede escribir al WhatsApp https://wa.me/c/50684556666 o al correo vgutierrez@centrocultural.cr 

Si desea conocer de más espectáculos puede visitar la página www.teo.cr  

Acerca del Centro Cultural Costarricense Norteamericano

El CCCN tiene una trayectoria de más de 75 años liderando la enseñanza del idioma inglés en Costa Rica, e igual cantidad de años siendo avalados por el departamento de estado de Estados Unidos. Además, pertenecen a una red de centros binacionales en Latinoamérica. En el caso de certificaciones, el CCCN cuenta con el respaldo de Educational Testing Service (ETS), organización sin fines de lucro de la Universidad de Princeton, autora de las pruebas TOEIC®.

Acerca de Galería Sophia Wanamaker

La Galería Sophia Wanamaker fue fundada en 1972, con la visión de incentivar la apreciación de las artes visuales, ha sido un referente en la propuesta experimental e innovadora de la escena cultural del país, mezclando lo artístico con contenidos educativos. Cuenta con 5 sedes y un currículum de más de 300 exposiciones a lo largo de los años. 

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MAC explora entre el arte y el esoterismo occidental en su próxima exposición  “Configuraciones Espirituales”
Oct
31
11:00 AM11:00

MAC explora entre el arte y el esoterismo occidental en su próxima exposición  “Configuraciones Espirituales”

El Museo de Arte Costarricense (MAC) presenta su más reciente proyecto expositivo Configuraciones Espirituales: sistemas de creencias y corrientes intelectuales en el arte costarricense, en el que presenta una mirada a la contribución en el ámbito artístico visual, literario e intelectual de artistas nacionales y extranjeros radicados en Costa Rica, seguidores de distintas corrientes de pensamiento presentes en el país desde finales del siglo XIX a mediados del siglo XX.

“Configuraciones Espirituales” plantea la posibilidad de que diversos movimientos como la Masonería, la Teosofía y el Espiritismo, fueran un espacio fértil para la producción artística, así como también de diferentes inclinaciones de carácter político, internacional, institucional o, en todo caso, intelectual.

Durante este periodo, diferentes líneas de pensamiento como la masonería, la teosofía y el espiritismo, formaron parte de la sociedad y la política costarricense. Esto trajo consigo diversas discusiones y tensiones, además de la proliferación de líneas intelectuales y una pluralidad de tendencias, no solo en las altas esferas de la nación, sino también en sus artes. 

La exhibición incluye también una sección enfocada en la influencia que estos movimientos tuvieron en otros artistas costarricenses y que no fueron necesariamente miembros de las diversas corrientes mencionadas. Dentro de esta línea, figuras como Manuel de la Cruz González (1909-1986) y Luisa González de Sáenz (1899-1982) son parte de los artistas que se incluyen, el primero a razón de su vínculo con ideas plásticas y filosóficas que tienen sus orígenes en la Teosofía; y la segunda por motivo de su temprano ligamen al Espiritismo, y por su interés en elaborar una obra plástica caracterizada por la expresión de un sistema de creencias referente al mundo espiritual. Además, Rafael (Rafa) Fernández (1935-201 y Flora Sáenz de Langlois (1927) son figuras representativas de una vertiente en el arte costarricense, en cuanto a la usual práctica de servirse de una concepción en particular de lo mágico.

“Para el MAC es de vital importancia el revisar la producción artística del país desde diversas aristas, y esta exposición, es un acercamiento más a intentar comprender la compleja producción de muchos de los artistas que conforman la historia de arte en Costa Rica”, señaló la curadora institucional, María José Chavarría.

La muestra, que reúne alrededor de 50 piezas en la Sala Herradura del MAC, está conformada de pinturas, dibujos y archivos documentales de múltiples fuentes. 

Este proyecto es una co-curaduría entre Chavarría y el académico Mauricio Oviedo.

Para visitar a la muestra

La exposición, que estará abierta al público hasta finales del mes de octubre, de martes a domingo, de 9:00 a.m. a 4:00 p.m. No se requiere reservación previa. La entrada al Museo es gratuita.

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